Os 30 Melhores (verdadeiramente) filmes independentes do século 21

em 2018, é mais difícil do que nunca ser independente no mundo dos filmes. Com Thanos e T. rexes e superfamílias animadas por computador a descer sobre os nossos multiplexes, o espírito do-it-yourself da história do cinema está a ser eliminado, um blockbuster de IP de cada vez. Mas ainda há alguns artistas destemidos e indie-minded lutando a luta. Esta semana no The Ringer, vamos olhar para alguns veteranos do campo e alguns novos participantes excitantes, e tentar entender para onde o cinema independente irá a partir daqui.,

Em seu livro de 1996 Spike, Mike, Preguiçosos e Diques, João Pierson, narra suas façanhas como a auto-descrito como “guru” independente do cinema Americano no período de ponte de baixo orçamento, off-the-grid incursões dos anos de 1980—quando Spike (Lee) e Mike (Moore), veio do nada para se tornar nomes familiares—e a dos anos 90, o que pode ser dividida em dois períodos distintos: antes e depois de Pulp Fiction. A estética cinéfila referencial e reverente de Quentin Tarantino era mais Blockbuster do que blockbuster., Não é de se admirar que um dos contemporâneos de QT, Kevin Smith, use uma metáfora de Vídeo-Loja a meio do livro para descrever não só o trabalho de Pierson como um representante do produtor, mas também o papel dos críticos em fazer com que o público veja filmes com menores orçamentos de produção e marketing. “Pegas em algo de que gostas mesmo … e leva-lo às pessoas … és um vendedor de vídeos muito selectivo, muito exigente.,”

a paisagem descrita por Pierson mudou irrevogavelmente nos mais de 20 anos desde a publicação de seu livro-notavelmente, o editor do livro, Harvey Weinstein, passou de power player para persona non grata. Mas ainda é um documento valioso e fofoqueiro de uma época em que era mais fácil identificar a diferença entre mainstream e indie. Se o” preguiçoso ” da saga de Pierson—que seria Richard Linklater—faz um filme Como Last Flag Flying for a studio (Amazon), isso imediatamente desqualifica-o de consideração como independente? Provavelmente., Mas que tal a infância, financiada ao longo de sua gênese de 12 anos por uma série de empresas de produção independentes e lançado internamente pelo IFC, uma empresa cujo nome literalmente contém a palavra “independente?”Ou que tal um filme como Chloé Zhao’s the Rider, um dos verdadeiros destaque de 2018, que foi feito completamente à parte do tradicional aparelho de fabricação de moviemaking antes de ser adquirida em Cannes pela Sony Pictures Classics—uma subsidiária do estúdio atualmente cuspindo veneno em todos os multiplexes americanos., O omnipresente A24 agora opera como uma powerhouse de produção e distribuição integrada com sistemas de entrega de dia e data e negócios lucrativos de streaming com a Amazon Prime. Quando tudo e todos parecem ligados de cima para baixo, “independente” torna-se um termo elástico. A taxonomia é complicada.com isso em mente, compilar uma lista dos melhores—ou talvez os mais interessantes-filmes independentes americanos desde 2000 é um erro dos tolos., Eu não me importo de parecer tolo (eu escrevi um livro sobre Showgirls, por amor de Deus), mas sei que havia algumas regras básicas aqui, apenas alguns dos quais foram quebrados. Vê se consegues localizá-los!,) Nº de filmes produzidos ou distribuídos por grandes estúdios ou mini-cursos, o que levou à decisão de deixar de fora A24 (ou seja, sem Lady Bird, ou Bruxa, ou Spring Breakers, ou Hereditária, ou o nome dele); ausência de títulos estrangeiros, uma vez que as estruturas de financiamento no exterior são ainda mais difíceis de categorizar (o que significa que autenticamente apertado obras-primas como Ben Wheatley para Baixo do Terraço não se qualificar); não óbvio “cartão de visita” de filmes (mesmo que alguns desses cineastas foram vendidas por estúdios muito rápido); e não há necessidade de incluir certos filmes que Toque leitores provavelmente já conhece e adora., (Sean Fennessey pressionou para a inclusão de um certo Thriller Nicolas Winding Refn estrelado por Ryan Gosling cujo título rima com “dive”, mas eu exercitei meu único veto Canadense-freelancer, uma vez que esse filme não presta.,)

Então, aproveite esta lista para o que ele é: um provável falho e profundamente subjetiva de mergulho, através de 18 anos de forma independente, produzido e em todos os casos, independente-mente—cinema que é sentido em termos de gênero e geografia, com diretores que vão desde o passado ou presente da marca (nomes de Christopher Nolan, Barry Jenkins) para descobertas esperando para acontecer (Josephine Decker, Khalik Allah). Considere a tentativa de um ex-funcionário de vídeo delicado para pegar algumas coisas que eu realmente gosto e compartilhá-las com todos vocês. Mal posso esperar para saber como estou errado no Twitter.,

a Atriz

Robert Greene, 2014

(Cinema Guild)

Robert Greene está fixado no desempenho; a multa, indie-wrestling retrato Falso É Tão Real e assustador, Kate Lyn Sheil vitrine Kate Desempenha Christine são os estudos de atores e seu processo. O destaque, no entanto, é a atriz de 2014, um filme cujas circunstâncias estranhas—o diretor tornou—se amigo do ex-aluno da Wire Brandy Burre, que era um vizinho que vivia ao fundo da rua em Beacon, Nova York-belie a sua garantia como retrato e metáfora., Ostensivamente, atriz é sobre a tentativa de Burre para fazer um retorno de tela, mas ele se revela mais como um filme sobre as outras “performances” em sua vida—como uma esposa, como uma mãe, e como uma “atriz”, o último uma construção arquetípica mais complicada do que qualquer papel roteirizado. Tanto um filme de ensaio como um documentário, é o tipo de filme intelectual e abismado que se mexe no teu cérebro durante dias.,

de Lastro

Lance Hammer, 2008

(Gravitas Ventures)

tem sido 10 anos desde que Batman & Robin digital designer Lança o Martelo caiu o peso, incrível Lastro em um circuito de festivais onde foi proclamada como a chegada de uma nova e grande talento. O facto de ele não ter feito um filme desde então é um mistério, e uma pena. A stark, grayed-out drama ambientado no delta do Mississippi sobre um DJ que se tornou proprietário da loja de conveniência (o hulking, indelével Michael J. Smith Sr.,) que os passos para os destroços de sua mortos gêmeo idêntico de vida sublima tristeza e raiva em responsabilidades familiares ele sempre evitou—Lastro exibe visual e narrativa costeletas comparável ao trabalho dos irmãos Dardenne; sua claustrofóbico espaços domésticos e de amplo horizonte aberto de linhas por emocionante ver mesmo como seu tom permanece silenciosa e triste toda. De todos os filmes desta lista, a estreia do Hammer merece ser mais conhecida.,

Azul Ruína

Jeremy Saulnier, 2013

(Radius)

a Vingança é um prato melhor servido sangrenta matérias em Jeremy Saulnier absolutamente crack-thriller de tiro, que lida com uma situação improvável, auto-intitulado, assassino (Macon Blair) lutando para lidar com as consequências de seu justo linchamentos. Comparações com o sangue simples fazem sentido, na medida em que a ruína Azul é uma empresa igualmente regional e artesanal, e se Saulnier não tem os dons dos irmãos Coen para um diálogo brilhante (quem não tem?, ele prova quase o seu igual precoce a representar o tempo ansioso para baixo em balés de feridas de carne e tiros na cabeça. Vê-o lado a Lado SEM país para os velhos e diz-me que estou errado. Menos sangrenta que a sala verde, mas mais eficaz como uma máquina de emoção, a ruína azul merece o seu lugar no cânone dos thrillers sub-radar.,

a Manteiga no Trinco

Josephine Decker, 2013

(Cinelicious)

O buzz em torno do complicado, trippy Madeline do Madeline sugere que Decker tem emergiu de Nova York cena indie como uma das sua frente, mas ela foi fazer sinapse de embaralhamento de trabalhar por alguns anos agora. A críptica manteiga visionária no trinco, sobre um par de meninas da cidade que frequentam um campo de música balcânica no meio do deserto da Califórnia e começam a perder o controle sobre a realidade, incorpora motivos de filmes de terror em uma meditação sobre a identidade que é tudo menos genérico., Muitas Índias se esforçam para a estranheza, mas maneiras incomuns de ver—tanto em termos de posicionamento literal da câmera e a qualidade mais efêmera de “perspectiva”—vêm naturalmente para Decker. Butter on the Latch is nightmarish in the true sense; its freakiest moments seem to have been filmed with eyes wide shut.,

Cameraman

Kirsten Johnson, 2016

(Janus Filmes)

Dividir o título de Kirsten Johnson documentário na metade e um estonteante série complexa de relações revelam-se: entre a câmara e os seus sujeitos; entre a câmara e o seu operador; e também entre a pessoa por trás da lente e o povo em frente a ela., Um diretor e diretor de fotografia que trabalhou com o jornalista político Laura Poitras (Citizenfour) e apanhava imagens a partir de uma variedade de repleto de manchas em todo o mundo (há trechos de seus passeios de direito na Bósnia e Afeganistão) Johnson apresenta uma vontade de questionar sua própria prática—e, no processo, ilustra por que ela é um excelente profissional. É o tipo raro de autoconsciência que irradia com humildade ao invés de marca pessoal, e é essencial em um momento em que até mesmo a realização progressiva de filmes de não ficção muitas vezes opta por abreviação emocional e golpes baratos.,Aaron Katz, 2010

(IFC)

o protagonista do semi-thriller doce de Aaron Katz anseia por ser um detetive, e acaba inesperadamente investigando um misterioso desaparecimento em seu bairro de Portland. Quando ele começa a fumar um cachimbo Sherlock Holmes–ian para ajudar com o seu processo dedutivo, é um efeito hipster que também é um ato de homenagem amorosa., De todos os diretores que emergiram do chamado Movimento “Mumblecore”, Katz pode ser aquele com a facilidade visual mais fácil; o tempo frio tem uma paleta de cores nítidas e movimentos de câmera assertivos que ajudam em vez de sobrecarregar suas aspirações modestas de gênero. Ele também tem o melhor ato irmão-irmã em indie do século 21( desculpas para Alex Ross Perry ‘ s the Color Wheel), com Cris Lankenau e Trieste Kelly Dunn destilando rivalidade irmã e afeto em uma solidariedade sutil, sem palavras, seja observando baleias ou ouvindo uma mixtape adolescente amado.,

Computador de Xadrez

Andrew Bujalski, 2013

(Kino Lorber)

Na verdade, existem alguns filmes por Andrew Bujalski que poderia ter ido aqui: o concurso twin-irmão estudo de Cera de abelha; o pateta ode à auto-melhoria de Resultados; a buoyantly sombrio local de trabalho comédia de Apoio a Meninas., A razão Computador de Xadrez tem o meu voto é porque é muito singular: um inexpressivo preto-e-branco oddity tiro em por volta da década de 1980 câmeras de vídeo sobre um grupo de machos beta—todos os amadores do xadrez gênios—que verificar em um solitário hotel para um fim de semana do torneio apenas para se tornarem peões em alguns de jogo maior, envolvendo o Pentágono e a inteligência artificial.,

Donnie Darko

Richard Kelly, 2001

(Flor de Filmes)

No festival de Sundance, em janeiro de 2001, a apocalíptica vibrações de Richard Kelly absurdist-sci-fi-tempo de viagem comédia impressionado críticos; em setembro do mesmo ano, uma campanha publicitária com um avião a despenhar-se destruiu suas chances de um lançamento bem-sucedido., Como todos os clássicos cult, Donnie Darko encontrou seu público – e apreciação-ao longo do tempo; quase 20 anos depois, suas ironias I-Heart-The-80 parecem mais antropológicas do que nostálgicas, enquanto seus temas milenares de alienação, crise de identidade e desespero se mostraram aptas. E mesmo que o roteiro retorcido e a imagem demoníaca do coelhinho não se aguentassem, o filme teria o seu lugar no hall da Fama do needle-drop pela forma como Kelly transforma Echo e “The Killing Moon” do Bunnymen em um hino de medo assustador, inominável.,

negros de campo

Khalik Allah, 2015

(KhalikoVision)

On paper, Khalik Allah’s experimental documentary sounds capital-P Problematic. Em uma esquina de rua no Harlem, um grupo de moradores afro—americanos—muitos altos no Substituto da maconha sintética K2-são entrevistados (e atuam) para uma câmera digital que agita e tece em torno de seus rostos com um estilismo portátil e autoconsciente. Enquanto isso, a trilha sonora foi manipulada para que os rostos e o diálogo estejam um pouco fora de sincronia, resultando em uma mistura amorfa de identidades., Então, sim, os negros de campo é um caso de teste para os perigos da etnografia estetizada—e as críticas dos métodos de Allah são válidas—mas é também uma façanha hipnotizante de retratos individuais e comunitários, usando as observações, argumentos, confessionais e as aparências de seus sujeitos como poesia e comentários políticos. Allah, que usou a câmera de 35mm de seu pai para fotografar membros do Clã Wu-Tang e se refere ao seu trabalho multimídia como” Ministério da câmera”, voltou este ano com a aclamada Mãe negra; seu antecessor não é tão fácil de ver, mas vale a pena procurar de todas as formas.,

Fruitvale Estação

Ryan Coogler, 2013

(TWC)

os três colaborações entre Ryan Coogler e Michael B. Jordan produziram óptimos desempenhos dentro de interessante de filmes; a diferença com Fruitvale Estação é que ninguém o viu chegando., Há pouco do estilo popular e musculoso que Coogler cultivou em Creed e Pantera Negra aqui; em vez disso, a estação de Fruitvale baseada em fatos—sobre a morte de Oscar Grant residente de Oakland por oficiais BART em 2009-prossegue observacionalmente, adotando uma (última) estrutura do dia-da-vida para dimensionalizar completamente um personagem cuja fama na morte ameaçou ofuscar sua identidade real. A sabedoria de Coogler em estilizar o filme como uma vitrine não pode ser exagerada: a atuação inteligente e magnética de Jordan é material de estrela-é-nascido, e parece mais do que nunca como ground zero para uma grande carreira.,

Gerry

Gus Van Sant, 2002

(ThinkFilm)

Todos os que a boa vontade por Boa Vontade, a Caça pode comprar um genuinamente independente-mente de cara um monte de espaço de manobra suficiente para fazer uma aborreceste, plotless parábola sobre dois caras chamado Gerry morrendo de fome no deserto (para não estragar o final, mas não poderá ir muito longe, a pé). Como uma rejeição à Convenção cinematográfica, Gerry era ranhoso e engraçado; como um escape para os então atrofiados músculos formalistas de Van Sant, era, à sua maneira, um economista de carreira., Van Sant volta à beleza lânguida de seu trabalho anterior—especialmente o meu próprio privado Idaho—enquanto rejuvenesce a si mesmo e avança em direção a Cannes e Oscar glory.

George Washington

David Gordon Green, 2000

(Cowboy Fotos)

Provavelmente a base Americana de indie dos anos 2000—como estilo e tonalidade influente vai para a frente, como era evidentemente influenciado pelos anos 70 fiéis, como Terrence Malick e Charles Burnett—George Washington usado em pequena escala de imagens e incidentes para evocar maior conceitos., Que melhor maneira de sugerir que seu filme é sobre “América” (como um lugar de residência e como uma abstração) do que nomeá-lo de um pai fundador? Essencialmente, um “Como Passei Minhas Férias de Verão” riff repleto de delicado, sinistro, lirismo, de David Gordon Green filme foi apoiado pelos críticos como Roger Ebert e, gradualmente, canonizado; tudo o que você precisa fazer é assistir a qualquer cinco minutos de Mid90s para ver como mesmo uma geração mais jovem de auteurs tem absorvido da atmosfera-é-tudo ethos.,

o Céu Sabe o Que

Josh e Benny Safdie, 2014

(Radius)

É definitivamente uma maneira de fazer um filme: depois de encontro, de 20 anos, ex-dependente de crack nas ruas da Cidade de Nova York, Josh e Benny Safdie incentivou a escrever um livro de memórias de suas experiências—e, em seguida, lançá-la na versão do filme., A feroz e vivida autenticidade do desempenho de Arielle Holmes na adaptação literal de sua vida lhe dá tanta propriedade sobre sabe-se lá o quê como os Safdies, cujo avanço subsequente no Excelente Tempo do ano passado deve muito aos ritmos inquietos, nervosos, de rua do seu antecessor. Deus sabe o que é uma das experiências de visualização mais angustiantes da década, sem conforto embutido ou distância; é uma mistura de inovação estética, turismo artístico, exploração discutível e empatia furtiva que vale a pena discutir como está assistindo em primeiro lugar.,

the House of the Devil

Ti West, 2009

(MPI)

tem vindo a diminuir os retornos para Ti West desde este impressionante shlock riff dos anos 80, razão pela qual é importante recordar os bons tempos: a fixação no estéreo; o veneno na pizza; Greta Gerwig num papel de apoio; e bruxas no sótão. (Mais: Mary Woronov, a coisa mais próxima de um selo ambulante de aprovação para fora do gênero fare.,) Onde a maioria dos filmes de terror newish optam por uma lenta queima ou sobrecarga sensorial, House of the Devil mistura humores e modos sem nunca perder de vista seu objetivo principal, que é aterrorizar-ao invés de diversão ou gross out—um público que é muito cansado neste ponto para pensar que pode ser feito. Acreditar.

Inland Empire

David Lynch, 2006

(Absurda)

A conclusão de David Lynch, L. A. trilogia não apenas repudiar estúdio de cinema à la Mulholland Drive; adota uma fronteira incompreensível forma visual e narrativa para dizer adeus a Hollywood para o bem., Mesmo para um cineasta tão descomprometido, o Inland Empire é o meu caminho-ou-a-estrada, atingindo de volta-às vezes, aparentemente de propósito—para o ethos de choque subterrâneo de Eraserhead, quando o seu criador era um mero “maníaco” (para citar Mel Brooks) em vez de nosso estadista surrealista. Qualquer outra coisa que você possa dizer sobre este estrategicamente feio, cansativo, extraordinário provação de três horas-completo com” locomoção ” vídeo da música—é o filme de um homem livre.,

It Felt Like Love

Eliza Hittman, 2013

(Variance Films)

the shallow-focus imagery of Eliza Hittman’s debut belies its depth as a coming-of-age fable. Além de ser sábio sobre o arco da protagonista adolescente de (não-bem) inocência para (menos do que-espetacular) experiência, ele sentiu que o amor percebe seus personagens masculinos com uma acuidade devastadora., A tese de Hittman “boys-will-be-boys” não é cativante, indulgente ou aceitante; pelo contrário, o filme se enche de frustração e desespero sobre o tipo de crueldade Cruel infligida a partir de um lugar de privilégio e insegurança básica. Em outras palavras, atinge o prego na cabeça-e às vezes, entre os olhos.

medicina para a melancolia

Barry Jenkins, 2008

(IFC)

faz sentido que os críticos compararam a primeira incursão de Barry Jenkins como roteirista-diretor até o nascer do sol, uma vez que sua premissa não é nada mais do que uma história de menino-encontro-menina-e-eles-falam-o-dia inteiro., Mas os filmes anteriores de Richard Linklater nunca foram intrinsecamente politizados como a medicina para a melancolia, cujos personagens-cauteloso, militante Micah (Wyatt Cenac) e agudo, de mente flexível Jo (Tracey Heggins)-se tornam encarnações de uma dialética maior e argumentativa sobre a assimilação da arte, cultura e identidade Afro—americana, bem como a gentrificação naquela cidade cinematográfica de todos os tempos, São Francisco., Não menos do que o luar ou se Beale Street poderia falar, o filme é um tour visual de força, usando a cor (e sua ausência) para codificar e contextualizar o diálogo que é ao mesmo tempo poeticamente vívido e desajeitado todos os dias: felizmente, a promessa de seu artesanato de baixo orçamento e inteligência conceitual foi cumprida.,

Memento

Christopher Nolan, 2000

(Newmarket)

Se você fez um Memento ao estilo do filme de Christopher Nolan carreira—que é, começou agora e funcionou de volta ao começo—então, o seu 2000 avanço seria um inferno de um clímax: o tipo de perfeitamente estruturado e atuou neo-noir que serviria como um outro escritor-diretor da coroação., Muito antes de ele ordenou orçamentos igual ao PIB de um pequeno país e teve Michael Caine em velocidade de marcação, Nolan tem grande valor da produção da sua inestimável instintos para saber como discombobulate uma audiência sem perdê-los completamente; o que faz Lembrança memorável não apenas a sua Harold Pinter–ish inverter a cronologia, mas todas as pequenas visual e verbal detalhes—uma tatuagem aqui, um enigmático one-liner—que pau com firmeza na parte de trás de nossas mentes até mesmo como eles vão em um dos Guy Pearce é antiheroic ouvidos e sai pelo outro.,

Uma Simplificação de Sua Beleza

Terence Finanças, 2012

(Desvio de Filmes)

A popularidade de Atos Aleatórios de Flyness esperamos introduzir os espectadores Terence Nanciar descontroladamente inventiva, essencialmente unclassifiable estréia, em que o diretor—jogar uma versão de si mesmo—agoniza, faz uma rapsódia, philosophizes, e aestheticizes uma mulher (Namik Minter) com quem ele decidiu que é loucamente apaixonado mesmo como a sua amizade exibe claramente demarcada platônico limites., Há aspectos do Woody Allen e Spike Lee aqui, mas também um thrifty, stop-motion fabulism mais parecido com o Michel Gondry, e ainda Nanciar a visão é mais do que a soma de suas influências: ele ilustra que a arte—se lindamente sincero ou descontroladamente indisciplinado—consiste em nada mais nada menos (ou mais) do que a coragem de dar algo de dentro e colocá-la no mundo.,

Old Joy

Kelly Reichardt, 2006

(Kino International)

the weekend warriors in Kelly Reichardt’s humanely humorous road movie aren’t alpha-male types à la Deliverance; they don’t want to forge rapids, only soak their early-middle-aged bones in a lonely mountain hot springs., Ao mesmo tempo, uma sátira astuta da jornada é o destino filosófico e uma elegia profundamente sentida para erodir valores contraculturais-com Will Oldham como uma versão mais melancólica do Dude-Old Joy restabeleceu seu diretor na vanguarda indie 12 anos após seu primeiro Rio de Grama. Desde então, ela tem trabalhado com estrelas cada vez mais cintilantes (Michelle Williams, Kristen Stewart), gêneros de cinema norte-americanos revisados (corte de contas de Meek com o Western), e se tornar um auteur de marca. Mas este continua a ser o seu trabalho mais afectado.,

Pariah

Dee Rees, 2011

(Focus Features)

a história por trás da produção de pária é tão indie-textbook quanto se consegue: uma tese de escola de cinema curta expandiu-se em um roteiro de longa-metragem e nutrido no Laboratório de Diretores de Sundance antes de uma estreia no Festival splashy. Mas o filme de Dee Rees ficou—e se destaca-por causa da especificidade subcultural de seu assunto: como uma história estranha e negra, antecipa o luar enquanto incorpora aspectos da própria autobiografia de seu diretor, enquadrada pela cinematografia sensível e exuberante de Bradford Young., Trabalhando em gloriosa tandem, Rees e Young style as imagens para que Alike (Adepero Oduye) vai do assunto impressionante, mas introvertido da câmera para a fonte de suas elegantes composições ponto de vista; o triunfo subsequente de Rees com Mudbound (que recebeu uma nomeação ao Oscar para sua cinematografia) deve, com esperança, lançar mais luz sobre sua estréia.,

a Polícia Bater

Robinson Devor, 2005

(Noroeste Filme Forum/WigglyWorld Estúdios)

O Rhodesian-nascido colunista político e hip-hop cronista Charles Mudede compuseram Robinson Devor incrível, underseen crime, drama, baseado em suas experiências como jornalista em Seattle “a polícia bater. Seu herói é um imigrante senegalês que trabalha como um policial de bicicleta e narra suas experiências em sua língua nativa Wolof enquanto o vemos interagir em inglês com os americanos., Esta estrutura destila elegantemente temas de identidade e assimilação em um filme que também é pressurizado pela decadência urbana e paranóia romântica em espiral do protagonista: o subtítulo, “Sete Dias de Crime e Delírio”, evoca David Fincher e Dostoyevsky com igual eficiência.

censurado

Brian De Palma, 2007

(Magnolia)

Saudações, Brian De Palma—é bom ter-te de volta!, Nada contra o clássico giallos ao estilo de Hollywood que o fez um nome de família, mas a exploração séria e irreverente e mortal da guerra do Iraque—encenada em um estilo de canal do YouTube que só parece melhor e mais presciente em retrospecto-foi o retorno que os fãs do final dos anos 60 do BDP “American Godard” estavam ansiando por., Fez por menos de us $5 milhões e lançado em um zangue Iraque zeitgeist, Editada dividido críticos, despencou comercialmente, e levou a um círculo vicioso de bastidores briga entre o diretor e seu financiador Mark Cuban, um bom sinal de que De Palma estava acordado e chateado depois de viajar através de uma década de estúdio atribuições.se eu tivesse um dólar por cada vez que eu li ou ouvi alguém interpretar mal o ensaio caseiro de Rodney Ascher, legalmente contencioso, e totalmente brilhante em vídeo sobre o Shining, eu provavelmente teria $237., Mas isso é OK, porque o que o quarto 237 é realmente sobre—além de se Stanley Kubrick fingiu ou não a aterragem na Lua e usou um shot de camisola da criança para confessá—lo (spoiler: ele não fez) – é como mesmo as obras de arte mais magisterialmente controladas (por exemplo, o Shining) tornam-se amplamente abertos à interpretação no momento em que chegam a um público. Esqueça A obscena recriação CGI de Steven Spielberg do Overlook no Ready Player One: é Ascher que realmente entra na loucura da obra-prima de Kubrick.,

O Piloto

Chloé Zhao, 2017

(Sony Pictures Classics)

Western mitos conseguir colocar através de prensa em Chloe Zhao visualmente robusto, emocionalmente delicadas drama, em que uma surrada cowboy (Brady Jandreau jogar um quebrado versão de si mesmo) tem que decidir o valor de conseguir de volta na sela novamente., Parte filme paisagístico, parte estudo comunitário, e totalmente deslumbrante de uma forma que incorpora, mas não adere à estética dos Westerns clássicos, o piloto recebeu atenção crítica suficiente que Zhao tem sido aproveitado—surpreendentemente e talvez um pouco preocupante—para levar seus talentos para a MCU. No entanto, o sucesso desta característica única e ansiosa significa que o lugar de Zhao na vanguarda indie contemporânea é Seguro—ou até que ela volte ou se mova completamente.,

Shotgun Stories

Jeff Nichols, 2007

(Multicom)

“Isso começou há muito tempo”, diz Filho (Michael Shannon) do inter-family feud que as unidades de Jeff Nichols, empoeirado, indelével de estreia, enquanto é fácil intuir metáfora social (e bíblica) no ódio purulenta entre o filme de dois conjuntos de irmãos de diferentes mães, Shotgun Stories funciona porque é tão convincente sobre os níveis de personagem e drama., Nichols balançou para as cercas um par de anos mais tarde com o fim-do-mundo-como-nós-sabemos-Psicodrama tomar abrigo, e embora isso é uma impressionante peça de trabalho, seu sentimento para as duras, más contingências da auto-suficiência Americana-de lealdade teimosa que se transforma em raiva assassina—nunca foi mais preciso. Nem, diria Eu, o Shannon foi necessariamente melhor, em parte porque em 2007, as suas erupções lacónicas a vulcânicas ainda se sentiram espontâneas em vez de uma assinatura actórica reconhecível.,

Starlet

Sean Baker, 2012

(Caixa de Música de Filmes)

eu poderia ter ido com Tangerina, Sean Baker vitória, com estilo inovador iPhone-shot comédia, mas—felizmente—foi adotado após a libertação, e impulsionados pelo sucesso de seu Oscar-nomeado acompanhamento Da Flórida Projeto. Então, em vez disso, eu vou bater para Baker underseen, subestimado, cumulativamente esmagadora estrela, uma história de Los Angeles–set de amizade feminina entre um jovem artista adulto-filme (Dree Hemingway) e a mulher mais velha (o falecido Besedka Johnson, em seu único papel no cinema) que ela conhece em uma venda de quintal., Baker habilidade com os atores e o uso da definição de como o personagem—justamente elogiado em Tangerina e A Flórida Projeto foi nunca mais segura do que em Starlet da alternadamente cômica e abjeta de instalação, que trata escabroso situações com refrescante mesmo-a lateralidade e demonstra uma generosidade de espírito, que não vem naturalmente para a maioria dos mais frias do que tu administração—e que não pode ser falsificada.,

Sweetgrass

Lucien Castaing-Taylor e Ilisa Barbash, 2009

(Cinema Guild)

No documentário círculos, os filmes criados pelos membros do Harvard Sensorial Laboratório de Etnografia tem sido considerada uma das década dos maiores e mais controversos órgãos de trabalho: Será que a sua narração e informação livre de descida para uma série incomum de ambientes físicos e socioeconômicos ecossistemas representam uma nova etapa de verite ou é o desenfreado GoPro abuso em um filme como Leviatã apenas mais um artifício estilístico?, Gosto da visão sombria da Leviatã de um navio de pesca industrial, mas eu realmente amo a experiência anterior dos seus diretores, Sweetgrass, que documenta um passeio de ovelhas nas montanhas de Montana.

Upstream Color

Shane Carruth, 2013

(VHX)

In 2004, mathematics major Shane Carruth made a $7,000 time-travel thriller called Primer that joined El Mariachi and The Blair Witch Project in the modern DIY canon., Nove anos depois, ele descreveu o retorno robusto do filme sobre o investimento no bizarro e cativante Upstream Color, Um suspense quase indescritível de ficção científica sobre-em nenhuma ordem particular—sequestro, controle mental, parasitas, Walden, capitalismo tardio, ansiedade de relacionamento, suinicultura e paternidade., Se é ou não Carruth mistura de filosofia, o corpo de terror, e Malickian de correção de edição é verdadeiramente, profundamente cerebral ou um compromisso livre de mindfuck é difícil saber, com certeza, e ainda, se uma definição de independência é uma falta de compromisso, o Montante de Cor qualifica e distingue-se: ninguém tem feito um filme como este, e ninguém iria tentar.,

Wet Hot American Summer

David Wain, 2001

(EUA Filmes)

OK, estamos enganando um pouco aqui: Tecnicamente, WHAS do distribuidor original, USA Filmes, é uma subsidiária da Universal, e a recente Netflix ressurreições de David Wain culto de comédia indicar um mainstream aprovação que está muito longe das margens., Mas fatos são fatos: Wet Hot American Summer é a mais engraçada do filme da década de 2000, e foi financiado basicamente fora do ar em 2001, quando suas maiores estrelas eram Janeane Garofalo e David Hyde Pierce e Siskel e Ebert saiu de sua maneira de bater o seu suposto amador horas inépcia na televisão nacional. Se há um legado de independência aqui, não tem a ver com dinheiro—OK, tem um pouco, porque o filme parece e soa tão barato como o inferno—mas com uma atitude. Todas as piadas deste filme parecem ser mais para as pessoas que o fazem do que para o público., Eu concordo com a sabedoria da voz da aldeia, que escreveu que “este filme será detestado, mas pode estar à frente de seu tempo.”Para dizer o mínimo.