Jahrhunderts

Im Jahr 2018 ist es schwieriger als je zuvor, in der Welt der Filme unabhängig zu sein. Mit Thanos und T. Rexes und computeranimierten Superfamilien, die auf unsere Multiplexe herabsteigen, wird der Do-it-yourself-Geist der Filmgeschichte verdrängt, ein IP-Blockbuster nach dem anderen. Aber es gibt immer noch einige furchtlose, indie-gesinnte Künstler, die gegen den Kampf kämpfen. Diese Woche werden wir uns einige Veteranen des Feldes und einige aufregende Neueinsteiger ansehen und versuchen zu verstehen, wohin das unabhängige Kino von hier aus gehen wird.,

In seinem 1996 erschienenen Buch Spike, Mike, Slackers and Dykes schildert John Pierson seine Heldentaten als selbstbeschriebener „Guru“ des unabhängigen amerikanischen Kinos in der Zeit, als Spike (Lee) und Mike (Moore) aus dem Nichts kamen, um bekannte Namen zu werden-und die 90er Jahre, die in zwei verschiedene Perioden unterteilt werden konnten: vor und nach Pulp Fiction. Quentin Tarantinos ehrfürchtige, referenzielle cinephile Ästhetik war mehr Blockbuster als Blockbuster., Es ist kein Wunder, dass einer der Zeitgenossen von QT, Kevin Smith, in der Mitte des Buches eine Videoladen-Metapher verwendet, um nicht nur Piersons Job als Produzent zu beschreiben, sondern auch die Rolle der Kritiker, um das Publikum dazu zu bringen, Filme mit kleineren Produktions-und Marketingbudgets zu sehen. „Du nimmst etwas, das dir wirklich gefällt … und nimmst es zu den Leuten … du bist ein sehr selektiver, sehr kniffliger Videoangestellter.,“

Die von Pierson beschriebene Landschaft hat sich in den mehr als 20 Jahren seit der Veröffentlichung seines Buches unwiderruflich verändert-insbesondere ist der Verlag des Buches, Harvey Weinstein,vom Machtspieler zur Persona non grata übergegangen. Aber es ist immer noch ein wertvolles, klatschiges Dokument einer Zeit, als es einfacher war, den Unterschied zwischen Mainstream und Indie zu identifizieren. Wenn der“ Slacker „von Pierson‘ s Saga—das wäre Richard Linklater—einen Film wie Last Flag für ein Studio (Amazon) macht, disqualifiziert das ihn sofort von der Betrachtung als Indie? Wahrscheinlich., Aber was ist mit Boyhood, das über seine 12-jährige Geschichte von einer Reihe unabhängiger Produktionsfirmen finanziert und im Inland von IFC veröffentlicht wurde, einem Unternehmen, dessen Name buchstäblich das Wort „unabhängig“ enthält?“Oder wie wäre es mit einem Film wie Chloé Zhaos The Rider, einem der wahren Standouts von 2018, der völlig abgesehen von dem traditionellen Filmemacherapparat gedreht wurde, bevor er in Cannes von Sony Pictures Classics erworben wurde—einer Tochtergesellschaft des Studios, die derzeit Gift spuckt über amerikanische Multiplexe., Der omnipräsente A24 agiert nun als integriertes Produktions – und Distributionskraftwerk mit tagtäglichen Liefersystemen und lukrativen Streaming-Deals mit Amazon Prime. Wenn alles und jeder von oben nach unten verbunden zu sein scheinen, wird“ unabhängig “ zu einem elastischen Begriff. Taxonomie ist schwierig.

In diesem Sinne ist die Zusammenstellung einer Liste der besten—oder vielleicht interessantesten—amerikanischen Independent-Filme seit 2000 eine Täuschung., Es macht mir nichts aus, dumm auszusehen (ich habe ein Buch über Showgirls geschrieben, um Gottes Willen), aber ich weiß, dass es hier einige Grundregeln gab, von denen nur ein paar gebrochen wurden. (Sehen Sie, ob Sie sie erkennen können!,) Keine Filme, die von großen Studios oder Mini-Majors produziert oder vertrieben wurden, was zu der Entscheidung führte, A24 auszulassen (dh keine Lady Bird oder The Witch oder Spring Breakers oder Hereditary oder Sie nennen es); keine ausländischen Titel, da Finanzierungsstrukturen im Ausland noch schwieriger zu kategorisieren sind (was bedeutet, dass authentisch schnürende Meisterwerke wie Ben Wheatleys Down Terrace nicht qualifiziert waren); keine offensichtlichen „Calling Card“ – Filme (obwohl einige dieser Filmemacher ziemlich schnell von Studios geschnappt wurden); und keine Notwendigkeit, bestimmte Filme einzubeziehen, die Ringer-Leser wahrscheinlich bereits wissen und lieben., (Sean Fennessey drängte auf die Aufnahme eines bestimmten Nicolas Winding Refn-Thrillers mit Ryan Gosling, dessen Titel sich auf „Dive“ reimt, aber ich übte mein Veto gegen einen Kanadier aus-Freiberufler, da dieser Film scheiße ist.,)

Also nimm diese Liste für das, was es ist: ein wahrscheinlich fehlerhafter und tief subjektiver Tauchgang durch 18 Jahre unabhängig produziertes—und in allen Fällen unabhängiges-Filmemachen, das die Bandbreite in Bezug auf Genre und Geographie umfasst und Regisseure von früheren oder gegenwärtigen Markennamen (Christopher Nolan, Barry Jenkins) bis hin zu Entdeckungen, die darauf warten, dass etwas passiert (Josephine Decker, Khalik Allah). Betrachten Sie es als den Versuch eines ehemaligen kniffligen Videoangestellten, einige Dinge mitzunehmen, die ich wirklich mag, und sie mit Ihnen allen zu teilen. Kann nicht warten, erzählt zu werden, wie falsch ich bin auf Twitter.,

Schauspielerin

Robert Greene, 2014

(Cinema Guild)

Robert Greene ist auf Leistung fixiert; sein feines Indie-Wrestling-Porträt macht es so real und gruselig Kate Lyn Sheil und Kate spielt Christine sind beide Studien von Schauspielern und ihren Prozess. Das Herausragende ist jedoch die Schauspielerin von 2014, ein Film, dessen seltsame Umstände—der Regisseur freundete sich mit dem Alumnus Brandy Burre an, der ein Nachbar war, der auf der Straße in Beacon, New York, lebte—seine Zusicherung als Porträtmalerei und Metapher verleugnen., Angeblich, Schauspielerin ist über Burres Versuch, einen Bildschirm Comeback zu machen, aber es zeigt sich mehr als ein Film über die anderen „Leistungen“ in ihrem Leben—als Frau, als Mutter, und als „Schauspielerin, Letztere ein archetypisches Konstrukt komplizierter als jede scripted Rolle. So viel ein Essayfilm wie ein Dokumentarfilm, Es ist die Art von berauschendem, intellektuellem Film, der tagelang in Ihrem Gehirn herumrasselt.,

Ballast

Lance Hammer, 2008

(Gravitas Ventures)

Es ist 10 Jahre her, dass Batman & Robin Digital Designer Lance Hammer ließ den gewichtigen, erstaunlichen Ballast in eine Festivalstrecke fallen, wo er als die Ankunft eines großen neuen Talents angekündigt wurde. Die Tatsache, dass er seitdem keinen Film mehr gemacht hat, ist ein Rätsel und eine Schande. Ein krasses, graues Drama im Mississippi-Delta über einen DJ, der zum Convenience-Store-Besitzer wurde (the Hulking, indelible Michael J. Smith Sr.,) wer in die Trümmer des Lebens seines toten eineiigen Zwillings tritt-Trauer und Wut in familiäre Verantwortlichkeiten sublimierend, die er immer vermieden hatte—, zeigt visuelle und geschichtenerzählende Koteletts, die mit der Arbeit der Brüder Dardenne vergleichbar sind; seine klaustrophobischen häuslichen Räume und weit geöffneten Horizontlinien sorgen für aufregende Betrachtung, auch wenn sein Ton durchweg gedämpft und traurig bleibt. Von allen Filmen auf dieser Liste verdient Hammers Debüt am meisten, besser bekannt zu sein.,

Blue Ruin

Jeremy Saulnier, 2013

(Radius)

Revenge ist ein Gericht, das am besten blutig roh in Jeremy Saulniers absolutely Crack-Shot-Thriller serviert wird, der sich mit einem unwahrscheinlichen, selbsternannten Attentäter (Macon Blair) befasst, der mit den Folgen seines gerechten Wachsamkeit zu rechnen hat. Vergleiche mit Blood Simple sind insofern sinnvoll, als Blue Ruin ein ähnlich regionales und handgefertigtes Unternehmen ist und Saulnier die Gaben der Coens für einen brillanten Dialog fehlt (wer nicht?,) er beweist fast ihre frühreife Gleichheit bei der Darstellung der ängstlichen Ausfallzeit in Balletten von Fleischwunden und Kopfschüssen. (Beobachten Sie es Seite an Seite ohne Land für alte Männer und sagen Sie mir, dass ich falsch liege.) Weniger blutig als Green Room, aber effektiver als Nervenkitzel-Maschine, verdient Blue Ruin seinen Platz im Kanon der Under-the-Radar-Thriller.,

Butter on the Latch

Josephine Decker, 2013

(Cinelicious)

Das Summen um die tricky, trippy Madelines Madeline legt nahe, dass Decker aus der New Yorker Indie-Szene als eine ihrer Vorreiterinnen hervorgegangen ist, aber sie macht seit ein paar Jahren Synapse-Scrambling-Arbeit. Die kryptische, visionäre Butter on the Latch, über ein Paar Stadtmädchen, die mitten in der kalifornischen Wildnis ein Balkan-Musikcamp besuchen und anfangen, die Realität in den Griff zu verlieren, integriert Horrorfilmmotive in eine Meditation über Identität, die alles andere als allgemein ist., Viele Indies streben nach Verrücktheit, aber ungewöhnliche Sichtweisen—sowohl in Bezug auf die wörtliche Kameraplatzierung als auch die kurzlebigere Qualität der „Perspektive“—kommen natürlich zu Ihnen. Butter on the Latch ist im wahrsten Sinne alptraumhaft; Seine verrücktesten Momente scheinen mit geschlossenen Augen gefilmt worden zu sein.,

Cameraperson

Kirsten Johnson, 2016

(Janus Films)

Teilen Sie den Titel von Kirsten Johnsons Dokumentarfilm in zwei Hälften und eine schwindelerregend komplexe Reihe von Beziehungen offenbaren sich: zwischen der Kamera und ihren Motiven; zwischen der Kamera und ihrem Bediener; und auch zwischen der Person hinter der Linse und den Menschen vor ihr., Eine Regisseurin und Kamerafrau, die mit der politischen Journalistin Laura Poitras (Citizenfour) zusammengearbeitet und Filmmaterial aus einer Vielzahl von Krisenherden auf der ganzen Welt gesammelt hat (es gibt Auszüge aus ihren Dienstreisen in Bosnien und Afghanistan) Johnson zeigt die Bereitschaft, ihre eigene Praxis zu befragen—und zeigt dabei, warum sie so ein Sterling-Profi ist. Es ist die seltene Art von Selbstbewusstsein, die mit Demut anstelle von persönlichem Branding ausstrahlt, und es ist wichtig in einem Moment, in dem sich selbst progressive Sachbücher zu oft für emotionale Abkürzungen und billige Aufnahmen entscheiden.,

Kaltes Wetter

Aaron Katz, 2010

(IFC)

Der Protagonist von Aaron Katz ‚ süß zotteligem Semi-Thriller sehnt sich danach, ein Detektiv zu sein, und untersucht unerwartet ein mysteriöses Verschwinden in seiner Nachbarschaft in Portland. Wenn er anfängt, eine Sherlock Holmes–Ian-Pfeife zu rauchen, um seinen deduktiven Prozess zu unterstützen, ist es eine Hipster-Affektierung, die auch ein Akt liebevoller Hommage ist., Von allen Regisseuren, die aus der sogenannten „Mumblecore“-Bewegung hervorgegangen sind, ist Katz derjenige mit der einfachsten visuellen Einrichtung; Kaltes Wetter hat eine scharfe, scharfe Farbpalette und durchsetzungsfähige Kamerabewegungen, die seine bescheidenen Genreanstrengungen eher unterstützen als überwältigen. Jahrhunderts Indie (Entschuldigung an Alex Ross Perrys The Color Wheel), mit Cris Lankenau und Chris Kelly Dunn, die Geschwisterrivalität und Zuneigung zu einer subtilen, wortlosen Solidarität destillieren, egal ob Walbeobachtung oder ein geliebtes Teenager-Mixtape hören.,

Computerschach

Andrew Bujalski, 2013

(Kino Lorber)

In Wahrheit gibt es ein paar Filme von Andrew Bujalski, die hier hätte hingehen können: die zarte Zwillingsgeschwisterstudie Bienenwachs; die doofe Ode an Selbstverbesserungsergebnisse; die lebhafte Komödie am Arbeitsplatz, die die Mädchen unterstützt., Der Grund, warum Computerschach meine Stimme bekommt, ist, weil es so einzigartig ist: Eine Deadpan-Schwarz-Weiß-Kuriosität, die auf Videokameras der achtziger Jahre über eine Gruppe von Beta—Männern—alle Amateurschach-Whizzes-gedreht wurde, die für ein Wochenendturnier in ein einsames Hotel einchecken, nur um Bauern in einem größeren Spiel mit dem Pentagon und künstlicher Intelligenz zu werden.,

Donnie Darko

Richard Kelly, 2001

(Flower Films)

Bei Sundance im Januar 2001 beeindruckte die apokalyptische Stimmung von Richard Kellys absurdistischer Science-Fiction-Zeitreise-Komödie Kritiker; Im September desselben Jahres zerstörte eine Werbekampagne mit einem abstürzenden Flugzeug seine Chancen auf eine erfolgreiche Veröffentlichung., Wie alle Kultklassiker, Donnie Darko fand sein Publikum—und Wertschätzung-im Laufe der Zeit; fast 20 Jahre später, seine I-Heart-the-80s Ironien scheinen anthropologische als nostalgisch, während seine tausendjährigen Themen der Entfremdung, Identitätskrise, und Verzweiflung haben sich als passend erwiesen. Und selbst wenn das kurvige Drehbuch und die dämonisch-Häschen-Bilder nicht durchhalten würden, hätte der Film seinen Platz in der Needle-Drop Hall of Fame für die Art und Weise, wie Kelly Echo und the Bunnymen ‚ s „The Killing Moon“ in eine Hymne der schleichenden, unbenennbaren Angst verwandelt.,

Field Niggas

Khalik Allah, 2015

(KhalikoVision)

Auf dem Papier klingt Khalik Allahs experimenteller Dokumentarfilm capital-P>. An einer Straßenecke in Harlem wird eine Gruppe afroamerikanischer Einheimischer—viele hoch auf dem synthetischen Marihuana—Ersatzstoff K2-für eine Digitalkamera interviewt (und performt), die mit einer handlichen, selbstbewussten Eleganz um ihre Gesichter rockt und webt. Inzwischen wurde der Soundtrack so manipuliert, dass die Gesichter und der Dialog leicht nicht synchron sind, was zu einer amorphen Mischung von Identitäten führt., Also ja, Field Niggas ist ein Testfall für die Gefahren der ästhetisierten Ethnographie—und Kritik an Allahs Methoden sind gültig -, aber es ist auch eine faszinierende Leistung der individuellen und gemeinschaftlichen Porträtmalerei, unter Verwendung der Beobachtungen, Argumente, Beichtstühle und ebenso Poesie und politischer Kommentar. Allah, der mit der 35-mm-Kamera seines Vaters Mitglieder des Wu-Tang-Clans fotografierte und seine Multimedia-Arbeit als „Kameraministerium“ bezeichnet, war dieses Jahr mit der hochgelobten Schwarzen Mutter zurück; Sein Vorgänger ist nicht so leicht zu sehen, aber es lohnt sich trotzdem, ihn zu suchen.,

Fruitvale Station

Ryan Coogler, 2013

(TWC)

Alle drei Kooperationen zwischen Ryan Coogler und Michael B. Jordan erbracht haben tolle Leistungen innerhalb der interessante Filme; der Unterschied mit Fruitvale Station ist, dass niemand Sie kommen sah., Es gibt wenig von dem muskulösen, populären Stil, den Coogler hier in Creed und Black Panther kultivierte; Stattdessen geht die faktenbasierte Fruitvale Station-über die Tötung des in Oakland ansässigen Oscar Grant durch BART—Offiziere im Jahr 2009—beobachtend vor und nimmt eine (letzte) Tagesstruktur an, um einen Charakter vollständig zu dimensionieren, dessen Ruhm im Tod drohte, seine tatsächliche Identität zu überschatten. Cooglers Weisheit, den Film als Schaufenster zu gestalten, kann nicht überbewertet werden: Jordans kluges, magnetisches Schauspiel ist Star-is-Born-Zeug und sieht mehr denn je wie Ground Zero für eine große Karriere aus.,

Gerry

Gus Van Sant, 2002

(ThinkFilm)

All dieser Goodwill für die Goodwill-Jagd kann einem wirklich unabhängig denkenden Kerl viel Spielraum verschaffen—genug, um eine schräge, handlungslose Parabel über zwei Kerle namens Gerry zu machen, die in der Wüste verhungern (nicht um das Ende zu verderben, aber sie kommen nicht weit zu Fuß). Als Ablehnung der filmischen Konvention war Gerry rotzig und lustig; als Ventil für Van Sants damals atrophierende formalistische Muskeln war es in seiner Art ein Karrieresparer., Van Sant greift auf die träge Schönheit seiner früheren Arbeit zurück—insbesondere auf mein eigenes privates Idaho—, während er sich verjüngt und sich in Richtung Cannes und Oscar-Ruhm bewegt.

George Washington

David Gordon Green, 2000

(Cowboy Pictures)

Wahrscheinlich der grundlegende amerikanische Indie der 2000er Jahre—so stilistisch und tonal einflussreich wie es offensichtlich von Stalwarts der 70er Jahre wie Terrence Malick und Charles Burnett beeinflusst wurde—George Washington verwendete kleine Bilder und Vorfälle, um größere Konzepte hervorzurufen., Gibt es eine bessere Möglichkeit, Ihren Film über „Amerika“ (als Wohnort und als Abstraktion) vorzuschlagen, als ihn nach einem Gründervater zu benennen? Im Wesentlichen ein“ Wie ich meine Sommerferien verbracht habe “ – Riff voller Zartheit, ominöse Lyrik, David Gordon Greens Film wurde von Kritikern wie Roger Ebert gestützt und allmählich heiliggesprochen; Alles, was Sie tun müssen, ist alle fünf Minuten Mitte der 90er Jahre zu sehen, um zu sehen, wie eine noch jüngere Generation von Möchtegern-Autoren ihre Atmosphäre aufgenommen hat-ist-alles-Ethos.,

Heaven Knows What

Josh und Benny Safdie, 2014

(Radius)

Es ist definitiv eine Möglichkeit, einen Film zu machen: Nachdem sie einen 20-jährigen ehemaligen Crack-Süchtigen auf den Straßen von New York City getroffen hatten, ermutigten Josh und Benny Safdie sie, eine Abhandlung über ihre Erfahrungen zu schreiben—und warfen sie dann in die Filmversion., Die wilde, gelebte Authentizität von Arielle Holmes ‚ Leistung in der wörtlichen Adaption ihres Lebens gibt ihr so viel Besitz an Heaven Knows What wie the Safdies,deren anschließender Durchbruch in der großartigen Good Time des letzten Jahres den unruhigen, nervösen Straßenrhythmen seines Vorgängers zu verdanken ist. Der Himmel weiß, was eines der erschütterndsten Seherlebnisse des Jahrzehnts ist, ohne eingebauten Komfort oder Distanz; Es ist eine Mischung aus ästhetischer Innovation, künstlerischem Tourismus, fragwürdiger Ausbeutung und Stealth-Empathie, über die es sich zu streiten lohnt, wie es überhaupt beobachtet wird.,

Das Haus des Teufels

Ti West, 2009

(MPI)

Seit diesem großartigen Shlock-Riff der 80er Jahre nimmt die Rendite für Ti West ab, weshalb es wichtig ist, sich an die guten Zeiten zu erinnern: Die Fixx auf der Stereoanlage; Gift auf der Pizza; Greta Gerwig in einer Nebenrolle; und Hexen auf dem Dachboden. (Plus: Mary Woronov, die nächste Sache zu einem Walking Gütesiegel für offbeat Genre Tarif.,), Wo die meisten newish horror Filme, entscheiden Sie sich für ein langsames brennen oder full-on sensory overload, Haus der Teufel mischt Stimmungen und Modi, ohne jemals aus den Augen verlieren-Ihr primäres Ziel, die erschrecken—eher als amuse oder grob heraus—ein Publikum, das zu abgestumpft an dieser Stelle denken, dass es getan werden kann. Glauben.

Inland Empire

David Lynch, 2006

(Absurda)

Der Abschluss der L. A.-Trilogie von David Lynch lehnt nicht nur Studiofilme à la Mulholland Drive ab; es nimmt eine Borderline-unverständliche visuelle und narrative Form an, um sich endgültig von Hollywood zu verabschieden., Selbst für einen so kongenitalen, kompromisslosen Filmemacher ist Inland Empire mein Weg-oder-die-Autobahn-Zeug und reicht manchmal—scheinbar absichtlich—zum Underground-Schock-Ethos von Eraserhead zurück, als sein Schöpfer war ein bloßer „Wahnsinniger“ (um Mel Brooks zu zitieren) anstelle unseres surrealistischen Elder Statesman. Was auch immer Sie sonst noch über diese strategisch hässliche, zermürbende, außergewöhnliche dreistündige Tortur sagen können-komplett mit“ Locomotion “ – Musikvideo-es ist der Film eines freien Mannes.,

Es fühlte sich an wie Liebe

Eliza Hittman, 2013

(Variance Films)

Die Bilder mit flachem Fokus von Eliza Hittmans Debüt widerlegen ihre Tiefe als Coming-of-Age-Fabel. Abgesehen davon, dass es weise über den Bogen seiner weiblichen Protagonistin im Teenageralter von (nicht ganz) Unschuld zu (weniger als spektakulärer) Erfahrung war, Fühlte es sich an, als würde die Liebe ihre männlichen Charaktere mit einer verheerenden Schärfe wahrnehmen., Hittmans“ Boys-will-be-Boys “ – These ist nicht liebenswert, verzeihend oder akzeptierend; Im Gegenteil, der Film strotzt vor Frustration und Verzweiflung über die Art von Callow-Grausamkeit, die von einem Ort des Privilegs und der Unsicherheit verursacht wird. Mit anderen Worten, es trifft den Nagel auf den Kopf—und manchmal zwischen den Augen.

Medicine for Melancholy

Barry Jenkins, 2008

(IFC)

Es macht Sinn, dass Kritiker Barry Jenkins ‚ ersten Ausflug als Autor und Regisseur mit Before Sunrise verglichen haben, da seine Prämisse wirklich nichts anderes ist als eine ganztägige Geschichte über Jungen, Mädchen und sie., Aber Richard Linklaters Vorfilme waren nie so von Natur aus politisiert wie Medizin für Melancholie, deren Charaktere-vorsichtig, militant Micah (Wyatt Cenac) und scharf, geschmeidig Jo (Tracey Heggins)-werden Verkörperungen einer größeren, argumentativen Dialektik über die Assimilation von afroamerikanischer Kunst, Kultur und Identität sowie Gentrifizierung in dieser Filmstadt, San Francisco., Nicht weniger als Moonlight oder If Beale Street Could Talk ist der Film eine visuelle Tour-de-Force, bei der Farben (und ihre Abwesenheit) verwendet werden, um Dialoge zu codieren und zu kontextualisieren, die gleichzeitig poetisch lebendig und unbeholfen jeden Tag sind: Glücklicherweise wurde das Versprechen seiner Low-Budget-Handwerkskunst und konzeptionellen Intelligenz erfüllt.,

Memento

Christopher Nolan, 2000

(Newmarket)

Wenn Sie einen Film im Memento-Stil über Christopher Nolans Karriere gedreht hätten—das heißt, er begann jetzt und arbeitete bis zum Anfang zurück—dann wäre sein Durchbruch im Jahr 2000 ein höllischer Höhepunkt: die Art perfekt strukturierter und handelnder Neo-Noir, der als Krönung eines anderen Schriftstellers und Regisseurs dienen würde., Lange bevor er Budgets befahl, die dem BIP eines kleinen Landes entsprachen, und Michael Caine auf Kurzwahl hatte, bekam Nolan aus seinen unbezahlbaren Instinkten, wie man ein Publikum diskombobilisiert, ohne es vollständig zu verlieren, einen großen Produktionswert; Was Memento unvergesslich macht, ist nicht nur seine Harold Pinter-ish-umgekehrte Chronologie, sondern all die kleinen visuellen und verbalen Details–ein Tattoo hier, ein kryptischer One—Liner dort -, die fest im Hinterkopf bleiben, selbst wenn sie in einem von Guy Pearces antiheroischen Ohren und aus dem anderen herausgehen.,

An Oversimplification of Her Beauty

Terence Nance, 2012

(Variance Films)

Die Popularität von Random Acts of Flyness sollte den Zuschauern hoffentlich Terence Nances wild erfinderisches, im Wesentlichen nicht klassifizierbares Debüt vorstellen, in dem der Regisseur—der eine Version von sich selbst spielt—eine Frau (Namik Minter) quält, rhapsodiert, philosophiert und ästhetisiert, mit der er entschieden hat, dass er verrückt in liebe, auch wenn ihre Freundschaft deutlich abgegrenzte platonische Grenzen aufweist., Es gibt hier Aspekte von Woody Allen und Spike Lee, aber auch einen sparsamen Stop-Motion—Fabulismus, der Michel Gondry ähnlicher ist, und doch ist Nances Vision mehr als die Summe seiner Einflüsse: Sie zeigt, dass Kunst—ob schön aufrichtig oder wild undiszipliniert-aus nichts weniger (oder mehr) besteht als dem Mut, etwas von innen heraus zu nehmen und in die Welt hinauszutragen.,

Old Joy

Kelly Reichardt, 2006

(Kino International)

Die weekend Warriors in Kelly Reichardts humorvollem Roadmovie sind keine Alphamänner à la Deliverance; Sie wollen keine Stromschnellen schmieden, sondern nur ihre Knochen im frühen mittleren Alter in einsamen heißen Bergquellen einweichen., Auf einmal eine schlaue Satire von journey-is-the-destination Philosophieren und eine tief gefühlte Elegie für erodierende gegenkulturelle Werte—mit Will Oldham als melancholischere Version des Dude—Old Joy wieder etabliert seinen Direktor in der Indie-Avantgarde 12 Jahre nach ihrem Debüt River of Grass. Seitdem arbeitet sie mit zunehmend schimmernden Stars (Michelle Williams, Kristen Stewart) zusammen, überarbeitet grundlegende amerikanische Filmgenres (Meeks Cutoffs Abrechnung mit dem Western) und wird eine Markenautorin. Aber das bleibt ihre wichtigste Arbeit.,

Pariah

Dee Rees, 2011

(Focus Features)

Die Geschichte hinter dem Making of Pariah ist so Indie-Lehrbuch, wie es nur geht: Eine Filmschularbeit, die kurz in ein Feature-Skript erweitert und im Sundance Directors Lab vor einer splashy Festivalpremiere gepflegt wurde. Aber Dee Rees ‚ Film stand-und steht-auseinander wegen der subkulturellen Spezifität seines Themas: Als queere, schwarze Coming-Out-Geschichte, Es antizipiert Mondlicht und integriert Aspekte der eigenen Autobiographie seines Regisseurs, eingerahmt von sensiblen, üppige Kinematographie von Bradford Young., Im glorreichen Tandem arbeiten Rees und Young die Bilder so, dass Alike (Adepero Oduye) vom auffälligen, aber introvertierten Motiv der Kamera zur Quelle ihrer eleganten Point-of-View-Kompositionen übergeht; Rees ‚ nachfolgender Triumph mit Mudbound (der für seine Kinematografie eine Oscar-Nominierung erhielt) sollte hoffentlich mehr Licht auf ihr Debüt werfen.,

der Polizei geschlagen

Robinson Devor, 2005

(Northwest Film Forum/WigglyWorld Studios)

Die Rhodesian-born politischer Kolumnist und hip-hop-Chronist Charles Mudede cowrote Robinson Devor ist erstaunlich, underseen Krimi-drama, basierend auf seinen Erfahrungen als journalist auf Seattle ‚ s „police beat.“Sein Held ist ein senegalesischer Einwanderer, der als Fahrradpolizist arbeitet und seine Erfahrungen in seiner Muttersprache Wolof erzählt, während wir ihm dabei zusehen, wie er auf Englisch mit Amerikanern interagiert., Diese Struktur destilliert Themen der Identität und Assimilation elegant zu einem Film, der auch vom städtischen Verfall und der spiralförmigen romantischen Paranoia seines Protagonisten unter Druck gesetzt wird: Der Untertitel „Sieben Tage Verbrechen und Täuschung“ erinnert mit gleicher Effizienz an David Fincher und Dostojewski.

Redacted

Brian De Palma, 2007

(Magnolia)

Grüße, Brian De Palma—gut zu haben, Sie zurück!, Nichts gegen die klassischen Giallos im Hollywood-Stil, die ihn zu einem bekannten Namen machten, aber Redacts gleichzeitig respektlose und tödlich ernsthafte Erforschung des Irak—Krieges-inszeniert in einem YouTube—Kanal-Stil, der im Nachhinein nur besser und vorausschauender aussieht-war die Rückkehr, nach der Fans von BDPS „American Godard“ – Periode Ende der 60er Jahre gesucht hatten., Für weniger als $5 Millionen gemacht und in einen fraktionierten irakischen Zeitgeist entlassen, von Kritikern redigiert, kommerziell getankt und zu einer bösartigen Fehde hinter den Kulissen zwischen dem Regisseur und seinem Finanzier Mark Cuban geführt-ein gutes Zeichen dafür, dass De Palma nach einem Jahrzehnt Schlafwandeln durch ein Jahrzehnt Studioaufträge wach und sauer war.

Room 237

Rodney Ascher, 2012

(IFC)

Wenn ich einen Dollar für jedes Mal hätte, wenn ich gelesen oder gehört hätte, dass jemand Rodney Ashers hausgemachten, rechtlich umstrittenen und brillanten Videoaufsatz über The Shining falsch interpretiert, hätte ich wahrscheinlich 237 US-Dollar., Aber das ist in Ordnung, denn worum es in Room 237 wirklich geht-abgesehen davon, ob Stanley Kubrick die Mondlandung vorgetäuscht und einen Schuss Kinderpullover verwendet hat, um es zu gestehen (Spoiler: Er hat es nicht getan)—, ist, wie selbst die magisterisch kontrolliertesten Kunstwerke (zB The Shining) in dem Moment, in dem sie ein Publikum erreichen, weit offen für Interpretationen werden. Vergessen Sie Steven Spielbergs obszöne CGI-Nachbildung des Overlook in Ready Player One: Es ist Ascher, der wirklich in den Wahnsinn von Kubricks Meisterwerk gerät.,

Reiter

Chloé Zhao, 2017

(Sony Pictures Classics)

Western-Mythen erhalten, ausgewrungen in Chloe Zhao ‚ s optisch robust, emotional empfindliche drama, in dem eine geschlagene cowboy (Brady Jandreau spielt a broken-down version von sich selbst) zu entscheiden hat den Wert zurück in den Sattel wieder., Teil Landschaftsfilm, Teil Gemeinschaftsstudie, und ganz wunderschön in einer Weise, die die Ästhetik klassischer Western einbezieht, aber nicht aufschiebt, Die Reiterin erhielt genug kritische Aufmerksamkeit, dass Zhao—überraschend und vielleicht ein bisschen besorgniserregend—angezapft wurde, um ihre Talente in die MCU zu bringen. Wie auch immer dieses Abenteuer ausgeht, der Erfolg dieses ängstlichen, einzigartigen Features bedeutet, dass Zhaos Platz in der zeitgenössischen Indie—Avantgarde sicher ist-entweder bis sie zurückkommt oder vollständig weiterzieht.,

Shotgun Stories

Jeff Nichols, 2007

(Multicom)

„Das begann vor langer Zeit“, sagt Son (Michael Shannon) von der Familienfehde, die Jeff Nichols ‚ staubige, unauslöschliche Debüt antreibt; während es leicht ist, Metapher (sozial und biblisch) in den Hass zwischen den beiden Brüdern des Films von verschiedenen Müttern zu intuittieren, funktioniert Shotgun Stories, weil es auf den Ebenen so überzeugend ist, dass von Charakter und Drama., Nichols schwang für die Zäune ein paar Jahre später mit dem End-of-the-world-as-we-know-it Psychodrama Zuflucht, und während das ist ein beeindruckendes Stück Arbeit, sein Gefühl für die harte, mittlere Kontingenzen der amerikanischen Selbstversorgung-der hartnäckigen Loyalität, die in mörderische Wut mutiert—war nie genauer. Ich würde auch nicht sagen, dass Shannon notwendigerweise besser war, zum Teil, weil sich seine lakonischen Vulkanausbrüche im Jahr 2007 immer noch spontan anfühlten, anstatt wie eine erkennbare schauspielerische Signatur.,

Sternchen

Sean Baker, 2012

(Music Box Films)

ich hätte mit Mandarinen, Sean Baker ‚ s zu gewinnen, die stilistisch innovative iPhone-shot-Komödie, aber—glücklich—es war umarmte, der auf die Veröffentlichung und beflügelt durch den Erfolg seines Oscar-Nominierten follow-up-Florida-Projekt. Stattdessen werde ich für Bakers unterschätztes, unterschätztes, kumulativ überwältigendes Starlet, eine in Los Angeles angesiedelte Geschichte der weiblichen Freundschaft zwischen einem jungen erwachsenen Filmdarsteller (Dree Hemingway) und der älteren Frau (die verstorbene Besedka Johnson, in ihrer einzigen Filmrolle), die sie bei einem Yard Sale trifft., Bakers Geschick mit Schauspielern und der Einsatz von Setting als Charakter—zu Recht gelobt in Tangerine and The Florida Project—war nie besser als in Starlets abwechselnd komischem und abstrusem Setup, das lauernde Situationen mit erfrischender Gleichmäßigkeit behandelt und eine Großzügigkeit des Geistes zeigt, die für die meisten Cooler-than-Thou-Regisseure nicht selbstverständlich ist—und die nicht gefälscht werden kann.,

Sweetgrass

Lucien Castaing-Taylor und Ilisa Barbash, 2009

(Cinema Guild)

In dokumentarischen Kreisen gelten die von den Mitgliedern des Sensory Ethnography Lab in Harvard geschaffenen Filme als eines der wichtigsten und umstrittensten Werke des Jahrzehnts: Stellt ihr erzählungs-und informationsfreier Abstieg in eine Reihe ungewöhnlicher physischer Umgebungen und sozioökonomischer Ökosysteme eine neue Stufe von Verite dar oder ist der grassierende sexuelle Missbrauch in einem Film wie Leviathan nur ein weiteres stilistisches Gimmick?, Ich mag Leviathans düstere Sicht auf ein Industriefischereischiff, aber ich liebe das frühere Experiment der Regisseure, Sweetgrass, das einen Schaftrieb in den Bergen von Montana dokumentiert.

Upstream Color

Shane Carruth, 2013

(VHX)

2004 drehte der Mathematik-Major Shane Carruth einen $7,000-Zeitreise-Thriller namens Primer, der sich El Mariachi und dem Blair Witch Project im modernen DIY-Kanon anschloss., Neun Jahre später, Er sprach den robusten Return on Investment dieses Films in the bizarre and betörend Upstream Color aus, ein fast unbeschreiblicher Science-Fiction—Thriller über—in keiner bestimmten Reihenfolge-Entführung, Gedankenkontrolle, Parasiten, Walden, Spätkapitalismus, Beziehungsangst, Schweinezucht, und Elternschaft., Ob Carruths Mischung aus Philosophie, Body Horror und Malickian Slipstream-Editing wirklich, tief zerebral oder ein verpflichtungsfreier Mindfuck ist, ist schwer sicher zu wissen, und doch, wenn eine Definition von Unabhängigkeit ein Mangel an Kompromissen ist, qualifiziert und zeichnet sich die Farbe aus: Niemand sonst hat einen Film wie diesen gemacht, und niemand sonst würde es versuchen.,

Wet Hot American Summer

David Wain, 2001

(USA Films)

OK, wir betrügen hier ein bisschen: Technisch gesehen ist WHAS ‚ ursprünglicher Distributor USA Films eine Tochtergesellschaft von Universal, und die jüngsten Netflix-Auferstehungen von David Wains Kultkomödie weisen auf eine Mainstream-Zustimmung hin, die ziemlich weit von den Rändern entfernt ist., Aber Fakten sind Fakten: Wet Hot American Summer ist der lustigste Film der 2000er Jahre und wurde im Grunde aus der Luft finanziert zurück in 2001, als seine größten Stars waren Janeane Garofalo und David Hyde Pierce und Siskel und Ebert gingen aus dem Weg, um seine angebliche Amateur-Stunde Unfähigkeit im nationalen Fernsehen zu schlagen. Wenn es hier ein Erbe der Unabhängigkeit gibt, hat es nicht mit Geld zu tun—OK, es tut ein bisschen, weil der Film so billig aussieht und klingt wie die Hölle—aber mit einer Haltung. Jeder Witz in diesem Film scheint mehr für die Leute zu sein, die ihn machen, als für ein Publikum., Ich verlasse mich auf die Weisheit der Dorfstimme, die schrieb: „Dieser Film wird verabscheut, aber er kann seiner Zeit voraus sein.“Gelinde gesagt.