Les 30 meilleurs Films (vraiment) indépendants du 21e siècle

En 2018, il est plus difficile que jamais d’être indépendant dans le monde du cinéma. Avec Thanos et T. rexes et les superfamilles animées par ordinateur qui descendent sur nos multiplexes, l’esprit do-It-yourself de l’histoire du cinéma est évincé, un blockbuster IP à la fois. Mais il y a encore des artistes intrépides et indépendants qui se battent. Cette semaine sur The Ringer, nous allons regarder quelques vétérans du domaine et de nouveaux entrants passionnants, et essayer de comprendre où ira le cinéma indépendant à partir d’ici.,

dans son livre de 1996 Spike, Mike, Slackers and Dykes, John Pierson raconte ses exploits en tant que « gourou” autoproclamé du cinéma indépendant américain dans la période reliant les incursions à petit budget et Hors Réseau des années 1980-lorsque Spike (Lee) et Mike (Moore) sont sortis de nulle part pour devenir des noms familiers-et les années 90, qui pourraient être divisées en deux périodes distinctes: avant et après Pulp Fiction. L’esthétique cinéphile respectueuse et référentielle de Quentin Tarantino était plus Blockbuster que blockbuster., Il n’est pas étonnant que L’un des contemporains de QT, Kevin Smith, utilise une métaphore de magasin vidéo à mi-chemin du livre pour décrire non seulement le travail de Pierson en tant que représentant du producteur, mais aussi le rôle des critiques pour amener le public à voir des films avec des budgets de production et de marketing plus petits. « Vous prenez quelque chose que vous aimez vraiment … et l’apportez aux gens you Vous êtes un commis vidéo très sélectif, très capricieux., »

Le paysage décrit par Pierson a changé irrévocablement au cours des années 20-plus depuis la publication de son livre—notamment, L’éditeur du livre, Harvey Weinstein, est passé de joueur de pouvoir à persona non grata. Mais c’est toujours un document précieux et bavard d’une époque où il était plus facile d’identifier la différence entre mainstream et indie. Si le” fainéant  » de la saga de Pierson—ce serait Richard Linklater—fait un film comme Last Flag Flying pour un studio (Amazon), cela le disqualifie-t-il immédiatement de la considération comme indépendant? Sûrement., Mais Qu’en est-il de Boyhood, financé au cours de sa genèse de 12 ans par une série de sociétés de production indépendantes et publié au pays par IFC, une société dont le nom contient littéralement le mot « indépendant? »Ou que diriez—vous d’un film comme The Rider de Chloé Zhao, l’un des vrais hors-concours de 2018, qui a été réalisé complètement en dehors de l’appareil cinématographique traditionnel avant d’être acquis à Cannes par Sony Pictures Classics-une filiale du studio qui crache actuellement du venin dans tous les multiplexes américains., L’omniprésent A24 fonctionne désormais comme une centrale de production et de distribution intégrée avec des systèmes de livraison jour et date et des accords de streaming lucratifs avec Amazon Prime. Quand tout et tout le monde semblent connectés de haut en bas, « indépendant” devient un terme élastique. La taxonomie est délicate.

dans cet esprit, compiler une liste des meilleurs—ou peut—être disons les plus intéressants-films indépendants américains depuis 2000 est une tâche folle., Cela ne me dérange pas d’avoir l’air stupide (j’ai écrit un livre sur les Showgirls, pour l’amour de Dieu) mais sachez qu’il y avait quelques règles de base ici, dont seulement quelques-unes ont été brisées. (Voir si vous pouvez repérer!,) Aucun film produit ou distribué par les grands studios ou les mini-majors, ce qui a conduit à la décision de laisser de côté A24( ce qui signifie pas de Lady Bird, ou la sorcière, ou Spring Breakers, ou Hereditary, ou vous le nommez); aucun titre étranger, car les structures de financement à l’étranger sont encore plus difficiles à catégoriser (ce qui signifie que des chefs-d’œuvre authentiquement restreints comme Down Terrace de Ben Wheatley ne sont pas admissibles); aucun film « calling card » évident (même si certains de ces cinéastes ont été happés par les studios assez rapidement); et pas besoin d’inclure certains films que les lecteurs de Ringer connaissent probablement déjà et aiment . , (Sean Fennessey a poussé pour l’inclusion d’un certain thriller de Nicolas Winding Refn avec Ryan Gosling dont le titre rime avec « dive” mais j’ai exercé mon veto D’un pigiste Canadien, puisque ce film est nul.,)

alors prenez cette liste pour ce qu’elle est: une plongée probablement imparfaite et profondément subjective à travers 18 ans de production indépendante—et dans tous les cas, indépendante d’esprit-cinéma qui couvre toute la gamme en termes de genre et de géographie, mettant en vedette des réalisateurs allant des noms de marque passés ou présents (Christopher Nolan, Barry Jenkins) Considérer la tentative d’un ancien capricieux vidéo greffier de prendre quelques choses que j’aime vraiment et de les partager avec vous tous. J’ai hâte qu’on me dise à quel point je me trompe sur Twitter.,

Actress

Robert Greene, 2014

(Cinema Guild)

Robert Greene est obsédé par la performance; son beau portrait de lutte indépendante faux It So Real et effrayant Kate Lyn Sheil showcase Kate Plays Christine sont à la fois des études sur les acteurs et leur processus. La vedette, cependant, est L’actrice de 2014, un film dont les circonstances étranges—le réalisateur est devenu ami avec Brandy Burre, ancienne élève de Wire, qui était une voisine vivant dans la rue à Beacon, New York—démentent son assurance en tant que portrait et métaphore., Ostensiblement, Actress parle de la tentative de Burre de faire un retour à l’écran, mais il se révèle plus comme un film sur les autres « performances” de sa vie—en tant qu’épouse, en tant que mère et en tant qu’ « actrice”, cette dernière étant une construction archétypale plus compliquée que n’importe quel rôle scénarisé. Autant un film d’essai qu’un documentaire, c’est le genre de film enivrant et intellectuel qui vous agite dans le cerveau pendant des jours.,

Ballast

Lance Hammer, 2008

(Gravitas Ventures)

Cela fait 10 ans que Batman& Robin digital designer Lance Hammer a laissé tomber le lourd et étonnant Ballast dans un circuit de festival où il était annoncé comme l’arrivée d’un nouveau talent majeur. Le fait qu’il n’a pas fait de film depuis, c’est un mystère, et une honte. Un drame austère et grisé se déroulant dans le delta du Mississippi à propos D’un DJ devenu propriétaire d’un dépanneur (L’imposant et indélébile Michael J. Smith Sr.,) qui entre dans l’épave de la vie de son jumeau identique mort—sublimant le chagrin et la colère dans les responsabilités familiales qu’il avait toujours évitées—Ballast affiche des côtelettes visuelles et narratives comparables à l’œuvre des frères Dardenne; ses espaces domestiques claustrophobes et ses lignes d’horizon grandes ouvertes rendent le visionnement passionnant même si son ton reste De tous les films de cette liste, les débuts de Hammer méritent le plus d’être mieux connus.,

Blue Ruin

Jeremy Saulnier, 2013

(Radius)

La vengeance est un plat mieux servi cru sanglant dans le thriller absolument crack-shot de Jeremy Saulnier, qui traite d’un assassin improbable et autoproclamé (Macon Blair) luttant pour compter avec les conséquences de son justicier juste. Les comparaisons avec Blood Simple ont du sens dans la mesure où Blue Ruin est une entreprise régionale et artisanale similaire, et si Saulnier manque des dons des Coens pour un dialogue brillant (qui ne le fait pas?,) il s’avère presque leur égal précoce à dépeindre le temps d’arrêt anxieux dans des ballets de blessures de chair et de coups de tête. (Regardez-le côte à côte avec No Country for Old Men et dites-moi que je me trompe.) Moins gore que Green Room mais plus efficace comme machine à sensations fortes, Blue Ruin mérite sa place dans le canon des thrillers sous le radar.,

Butter on the Latch

Josephine Decker, 2013

(Cinelicious)

le buzz autour de la délicate et trippy Madeline Madeline suggère que Decker a émergé de la scène indie New-Yorkaise comme l’un de ses leaders, mais elle fait du travail de brouillage de synapse depuis quelques années maintenant. The Cryptic, visionnaire Butter on the Latch, sur une paire de filles de la ville qui assistent à un camp de musique balkanique au milieu du désert californien et commencent à perdre leur emprise sur la réalité, incorpore des motifs de films d’horreur dans une méditation sur l’identité qui est tout sauf Générique., Beaucoup d’Indiens recherchent l’étrangeté, mais des façons inhabituelles de voir—à la fois en termes de placement littéral de la caméra et de la qualité plus éphémère de la « perspective”—viennent naturellement à Decker. Butter on the Latch est cauchemardesque dans le vrai sens du terme; ses moments les plus bizarres semblent avoir été filmés les yeux grands fermés.,

Cameraperson

Kirsten Johnson, 2016

(Janus Films)

divisez le titre du documentaire de Kirsten Johnson en deux et une série de relations incroyablement complexes se révèlent: entre la caméra et ses sujets; entre la caméra et son opérateur; et aussi entre la personne derrière l’objectif et les, Réalisatrice et directrice de la photographie qui a travaillé avec la journaliste politique Laura Poitras (Citizenfour) et glané des images de divers endroits difficiles à travers le monde (il y a des extraits de ses tournées en Bosnie et en Afghanistan), Johnson affiche une volonté d’interroger sa propre pratique—et, ce faisant, illustre pourquoi elle est une si grande professionnelle. C’est le genre rare de conscience de soi qui rayonne avec humilité au lieu de l’image de marque personnelle, et c’est essentiel à un moment où même le cinéma de non-fiction progressif opte trop souvent pour la sténographie émotionnelle et les Plans Bon Marché.,

Cold Weather

Aaron Katz, 2010

(IFC)

Le protagoniste du semi-thriller doucement hirsute D’Aaron Katz aspire à être un détective, et finit par enquêter de façon inattendue sur une mystérieuse disparition dans son quartier de Portland. Quand il commence à fumer une pipe Sherlock Holmes–ian pour aider à son processus déductif, c’est une affectation hipster qui est aussi un acte d’hommage amoureux., De tous les réalisateurs qui ont émergé du mouvement dit « Mumblecore”, Katz est peut-être celui qui a la facilité visuelle la plus simple; Cold Weather a une palette de couleurs nettes et nettes et des mouvements de caméra affirmés qui aident plutôt que de submerger ses modestes aspirations de genre. Il a également obtenu le meilleur acte frère-soeur dans 21st-century indie (excuses à la roue des couleurs D’Alex Ross Perry), avec Cris Lankenau et Trieste Kelly Dunn distillant la rivalité et l’affection fraternelles dans une solidarité subtile et sans mots, que ce soit en observant les baleines ou en écoutant une mixtape adolescente bien-aimée.,

Computer Chess

Andrew Bujalski, 2013

(Kino Lorber)

En vérité, il y a quelques films D’Andrew Bujalski qui auraient pu aller ici: la tendre étude sur les jumeaux de la cire d’abeille; l’ode loufoque aux résultats d’auto-amélioration; la comédie, La raison pour laquelle Computer Chess obtient mon vote est parce que c’est si singulier: une bizarrerie en noir et blanc tournée sur des caméras vidéo des années 1980 sur un groupe de mâles bêta-tous des amateurs d’échecs-qui s’enregistrent dans un hôtel solitaire pour un tournoi de week-end pour devenir des pions dans un jeu plus grand impliquant,

Donnie Darko

Richard Kelly, 2001

(Flower Films)

à Sundance en janvier 2001, les vibrations apocalyptiques de la comédie absurde-science-fiction-Voyage dans le temps de Richard Kelly ont impressionné les critiques; en septembre de la même année, une campagne publicitaire mettant en vedette un avion qui, Comme tous les classiques cultes, Donnie Darko a trouvé son public – et son appréciation-au fil du temps; près de 20 ans plus tard, ses ironies des années 80 semblent plus anthropologiques que nostalgiques, tandis que ses thèmes millénaires d’aliénation, de crise d’identité et de désespoir se sont avérés appropriés. Et même si le scénario sinueux et les images de lapin démoniaque ne tenaient pas, le film aurait sa place dans le temple de la renommée pour la façon dont Kelly transforme Echo et The Bunnymen « The Killing Moon” en un hymne de peur rampante et innommable.,

Field Niggas

Khalik Allah, 2015

(KhalikoVision)

sur papier, le documentaire expérimental de Khalik Allah semble problématique capital-P. Sur un coin de rue à Harlem, un groupe de locaux Afro—Américains—beaucoup haut sur le substitut de marijuana synthétique K2-sont interrogés (et effectuer) pour un appareil photo numérique qui bascule et tisse autour de leurs visages avec un style de poche, conscient de soi. Pendant ce temps, la bande-son a été manipulée de sorte que les visages et les dialogues sont légèrement désynchronisés, ce qui entraîne un mélange amorphe des identités., Alors oui, Field Niggas est un cas de test pour les dangers de l’ethnographie esthétisée—et les critiques des méthodes D’Allah sont valables-mais c’est aussi un exploit hypnotisant du portrait individuel et communautaire, utilisant les observations, les arguments, les confessionnaux et les apartés de ses sujets comme poésie et commentaire Politique. Allah, qui a utilisé l’appareil photo 35mm de son père pour photographier des membres du Wu-Tang Clan et se réfère à son travail multimédia comme « Camera Ministry”, était de retour cette année avec la mère noire extrêmement acclamée; son prédécesseur n’est pas si facile à voir, mais il vaut la peine de chercher tout de même.,

Fruitvale Station

Ryan Coogler, 2013

(TWC)

Les trois collaborations entre Ryan Coogler et Michael B. Jordan ont donné des performances formidables à l’intérieur de films intéressants; la différence avec Fruitvale Station est que personne ne les a vus venir., Il y a peu de style musclé et populaire que Coogler cultivait dans Creed et Black Panther ici; au lieu de cela, la station Fruitvale basée sur les faits-sur le meurtre D’Oscar Grant, résident D’Oakland, par des agents de BART en 2009—se déroule de manière observationnelle, adoptant une structure (dernier) jour dans la vie pour dimensionner complètement un personnage dont la La sagesse de Coogler dans le style du film comme une vitrine ne peut pas être exagérée: le jeu intelligent et magnétique de Jordan est un truc de star-Is-born, et ressemble plus que jamais à ground zero pour une carrière majeure.,

Gerry

Gus Van Sant, 2002

(ThinkFilm)

toute cette bonne volonté pour la chasse à la bonne volonté peut donner beaucoup de marge de manœuvre à un gars véritablement indépendant-assez pour faire une parabole draguée et sans intrigue sur deux gars nommés Gerry mourant de faim dans le désert (pour ne pas gâcher En tant que rejet des conventions cinématographiques, Gerry était morveux et drôle; comme un exutoire pour les muscles formalistes alors atrophiés de Van Sant, il était, à sa manière, un économiseur de carrière., Van Sant revient à la beauté langoureuse de ses œuvres antérieures—en particulier My Own Private Idaho—tout en se rajeunissant et en avançant vers la gloire de Cannes et des Oscars.

George Washington

David Gordon Green, 2000

(Cowboy Pictures)

probablement l’indie américain fondateur des années 2000—aussi influent stylistiquement et tonalement à l’avenir qu’il était évidemment influencé par les piliers des années 70 comme Terrence Malick et Charles Burnett—George Washington a utilisé des images, Quelle meilleure façon de suggérer que votre film parle de « L’Amérique » (comme lieu de résidence et comme abstraction) que de le nommer d’après un père fondateur? Essentiellement un riff” comment J’ai passé mes vacances D’été  » inondé de lyrisme délicat et inquiétant, le film de David Gordon Green a été soutenu par des critiques comme Roger Ebert et progressivement canonisé; tout ce que vous devez faire est de regarder cinq minutes du milieu des années 90 pour voir comment une génération encore plus jeune d’auteurs potentiels a absorbé,

Heaven Knows What

Josh and Benny Safdie, 2014

(Radius)

c’est certainement une façon de faire un film: après avoir rencontré une ancienne accro au crack de 20 ans dans les rues de New York, Josh et Benny Safdie l’ont encouragée à écrire un mémoire de ses expériences-puis à la, L’authenticité féroce et vécue de la performance D’Arielle Holmes dans l’adaptation littérale de sa vie lui donne autant de propriété de Heaven Knows What que The Safdies, dont la percée ultérieure dans le superbe Good Time de l’année dernière doit beaucoup aux rythmes agités, nerveux et de rue de son prédécesseur. Dieu sait ce qui est L’une des expériences de visionnement les plus déchirantes de la décennie, sans confort ni distance intégrés; c’est un mélange d’innovation esthétique, de tourisme artistique, d’exploitation discutable et d’empathie furtive qui vaut autant la peine de se disputer que de regarder en premier lieu.,

La Maison Du Diable

Ti West, 2009

(MPI)

Les retours de Ti West diminuent depuis ce riff shlock génial des années 80, c’est pourquoi il est important de se souvenir des bons moments: le Fixx sur la chaîne stéréo; poison sur la pizza; Greta Gerwig dans un rôle de soutien; et sorcières (Plus: Mary Woronov, la chose la plus proche d’un sceau d’approbation pour le genre décalé.,) Où la plupart des films d’horreur novices optent pour une combustion lente ou une surcharge sensorielle complète, House of the Devil mélange les humeurs et les modes sans jamais perdre de vue son objectif principal, qui est de terrifier-plutôt que d’amuser ou de dégoûter—un public trop blasé à ce stade pour penser que cela peut être fait. Croire.

Inland Empire

David Lynch, 2006

(Absurda)

la conclusion de la trilogie de David Lynch à Los Angeles ne se contente pas de répudier le cinéma de studio à la Mulholland Drive; elle adopte une forme visuelle et narrative incompréhensible et limite pour dire adieu à Hollywood pour de bon., Même pour un cinéaste aussi intransigeant, Inland Empire est mon chemin ou l’autoroute, revenant-parfois, apparemment exprès-à L’ethos underground-choc D’Eraserhead, quand son créateur était un simple « maniaque » (pour citer Mel Brooks) au lieu de notre ancien homme D’état surréaliste. Quoi que vous puissiez dire d’autre sur cette épreuve stratégiquement laide, épuisante et extraordinaire de trois heures-complète avec le clip « Locomotion”—c’est le film d’un homme libre.,

It Felt Like Love

Eliza Hittman, 2013

(Variance Films)

L’imagerie peu profonde des débuts D’Eliza Hittman dément sa profondeur comme une fable de passage à l’âge adulte. En plus d’être sage sur l’arc de son protagoniste féminin adolescent de l’innocence (pas tout à fait) à l’expérience (moins que spectaculaire), il se sentait comme L’amour perçoit ses personnages masculins avec une acuité dévastatrice., La thèse de Hittman « boys-will-be-boys » n’est pas attachante, pardonnante ou acceptante; au contraire, le film hérisse de frustration et de désespoir face au genre de cruauté callow infligée par un lieu de privilège et d’insécurité de base. En d’autres termes, il frappe l’ongle sur la tête—et parfois, entre les yeux.

Medicine for Melancholy

Barry Jenkins, 2008

(IFC)

Il est logique que les critiques comparent la première incursion de Barry Jenkins en tant que scénariste-réalisateur à Before Sunrise, car sa prémisse n’est vraiment rien de plus qu’une histoire de garçon-rencontre-fille-et-ils-parlent-toute-journée., Mais les films Before DE Richard Linklater n’ont jamais été aussi politisés que Medicine for Melancholy, dont les personnages—méfiant et militant Micah (Wyatt Cenac) et Jo (Tracey Heggins), vif et souple, deviennent des incarnations d’une dialectique argumentative plus large sur l’assimilation de L’art, de la culture et de l’identité Afro-Américains ainsi que sur la gentrification, Pas moins que Moonlight ou If Beale Street Could Talk, le film est un tour de force visuel, utilisant la couleur (et son absence) pour coder et contextualiser des dialogues à la fois poétiquement vifs et maladroitement quotidiens: heureusement, la promesse de son savoir-faire à petit budget et de son intelligence conceptuelle a été remplie.,

Memento

Christopher Nolan, 2000

(Newmarket)

Si vous faisiez un film de style Memento sur la carrière de Christopher Nolan-c’est—à—dire que vous l’avez commencé maintenant et que vous avez travaillé au début-alors sa percée de 2000 serait un sacré point culminant: le genre de néo-noir parfaitement structuré et agi qui servirait, Bien avant de commander des budgets égaux au PIB d’un petit pays et d’avoir Michael Caine sur speed-dial, Nolan a obtenu une grande valeur de production de temps de ses instincts inestimables pour comment déconcentrer un public sans les perdre complètement; ce qui rend Memento mémorable n’est pas seulement sa chronologie inversée Harold Pinter-ish, mais tous les petits détails visuels et verbaux–un tatouage ici, un one—liner cryptique là-bas—qui collent fermement dans le dos de nos esprits, même quand ils vont dans L’une des oreilles antihéroïques de Guy Pearce et dans l’autre.,

une simplification excessive de sa beauté

Terence Nance, 2012

(Variance Films)

la popularité de Random Acts of Flyness devrait, espérons—le, faire découvrir au public le premier long—métrage follement inventif et essentiellement inclassable de Terence Nance, dans lequel le réalisateur-jouant une version de lui-même-agonise, Rhapsodie, philosophe et esthétise une a décidé qu  » il est follement amoureux, même si leur amitié affiche des limites platoniques clairement délimitées., Il y a ici des aspects de Woody Allen et de Spike Lee, mais aussi un fabulisme économe et en stop-motion plus proche de Michel Gondry, et pourtant la vision de Nance est plus que la somme de ses influences: elle illustre que l’art—qu’il soit magnifiquement sincère ou follement indiscipliné—consiste en rien moins (ou plus) que le courage de prendre quelque chose de l’intérieur et de le mettre au monde.,

Old Joy

Kelly Reichardt, 2006

(Kino International)

Les guerriers du week-end dans le road movie humainement humoristique de Kelly Reichardt ne sont pas des types alpha-mâles à la délivrance; ils ne veulent pas forger des Rapides, seulement tremper leurs os, À la fois une satire sournoise de philosopher journey-is-the-destination et une élégie profondément ressentie pour éroder les valeurs contre—culturelles—avec Will Oldham comme une version plus mélancolique de The Dude-Old Joy a rétabli son directeur dans The indie vanguard 12 ans après ses débuts River of Grass. Depuis, elle a travaillé avec des stars de plus en plus chatoyantes (Michelle Williams, Kristen Stewart), révisé les genres fondamentaux du cinéma américain (Meek’s Cutoff’s reckoning with the Western), et est devenue un auteur de marque. Mais cela reste son travail le plus touchant.,

Pariah

Dee Rees, 2011

(Focus Features)

L’histoire derrière la fabrication de Pariah est aussi indie-manuel qu’il obtient: un court-métrage de thèse d’école de cinéma élargi en un scénario de long métrage et nourri dans le Sundance Directors Lab avant une première splashy festival. Mais le film de Dee Rees se distingue par la spécificité sous-culturelle de son sujet: en tant qu’histoire de coming-out noire et queer, il anticipe Moonlight tout en incorporant des aspects de la propre autobiographie de son réalisateur, encadrée par une cinématographie sensible et exubérante de Bradford Young., Travaillant en tandem glorieux, Rees et Young stylisent les images de sorte que Alike (Adepero Oduye) passe du sujet saisissant mais introverti de la caméra à la source de ses élégantes compositions de point de vue; le triomphe ultérieur de Rees avec Mudbound (qui a reçu une nomination aux Oscars pour sa cinématographie) devrait, espérons-le, éclairer davantage ses débuts.,

Police Beat

Robinson Devor, 2005

(Northwest Film Forum/Wigglyworld Studios)

Le chroniqueur politique né en Rhodésie et chroniqueur hip-hop Charles Mudede cowrote Robinson Devor incroyable, drame policier sous-vue, basé sur ses expériences en tant que journaliste sur Seattle « police beat. »Son héros est un immigré Sénégalais qui travaille comme flic à vélo et raconte ses expériences dans sa langue maternelle Wolof pendant que nous le regardons interagir en anglais avec les Américains., Cette structure distille élégamment les thèmes de l’identité et de l’assimilation dans un film qui est également sous pression par urban decay et la paranoïa romantique en spirale de son protagoniste: le sous-titre, « sept jours de Crime et D’Illusion”, évoque David Fincher et Dostoïevski avec une efficacité égale.

Edite

Brian De Palma, 2007

(Magnolia)

Salutations, De Brian De Palma—bon de vous voir de retour!, Rien contre les giallos classiques de style hollywoodien qui ont fait de lui un nom familier, mais l’exploration sérieuse à la fois irrévérencieuse et mortelle de la guerre en Irak—mise en scène dans un style de chaîne YouTube qui ne semble que meilleur et plus prémonitoire rétrospectivement-était le retour que les fans de la fin des années 60 de BDP « Godard américain” , Fabriqué pour moins de 5 millions de dollars et publié dans un zeitgeist irakien fracassant, expurgé a divisé les critiques, tanked commercialement, et a conduit à une querelle vicieuse dans les coulisses entre le réalisateur et son financier Mark Cuban-un bon signe que de Palma était éveillé et énervé après une décennie de travail en studio.

Chambre 237

Rodney Ascher, 2012

(SFI)

Si j’avais un dollar pour chaque fois que j’ai lu ou entendu quelqu’un de mal interpréter Rodney Ascher maison, légalement litigieux, et entièrement brillant essai vidéo sur The Shining, j’aurais probablement $237., Mais c’est correct, parce que ce que Room 237 est vraiment—au—delà du fait que Stanley Kubrick ait simulé ou non L’alunissage et ait utilisé un coup de chandail d’enfant pour l’avouer (spoiler: il ne l’a pas fait) – c’est comment même les œuvres d’art les plus contrôlées par la magie (par exemple The Shining) deviennent Oubliez la recréation obscène en images de synthèse de Steven Spielberg de The Overlook dans Ready Player One: C’est Ascher qui pénètre vraiment dans la folie du chef-d’œuvre de Kubrick.,

The Rider

Chloé Zhao, 2017

(Sony Pictures Classics)

Les mythes occidentaux sont mis à l’épreuve dans le drame visuellement robuste et émotionnellement délicat de Chloe Zhao, dans lequel un cow-boy battu (Brady Jandreau jouant une version décomposée de lui-même) doit décider de la valeur de, Film de paysage en partie, étude communautaire en partie, et tout à fait magnifique d « une manière qui incorpore mais ne s » en remet pas à l « esthétique des Westerns classiques, Le cavalier a reçu suffisamment d » attention critique que Zhao a été exploité—étonnamment et peut—être un peu inquiétant-pour amener ses talents au MCU. Quelle que soit l’aventure, le succès de cette fonctionnalité unique et anxieuse signifie que la place de Zhao dans l’Avant—Garde Indépendante contemporaine est assurée-soit jusqu’à ce qu’elle revienne ou passe complètement à autre chose.,

Shotgun Stories

Jeff Nichols, 2007

(Multicom)

« cela a commencé il y a longtemps”, dit Son (Michael Shannon) à propos de la querelle inter-familiale qui anime les débuts poussiéreux et indélébiles de Jeff Nichols; bien qu’il soit facile d’intuire une métaphore (sociale et biblique) dans la haine entre les deux séries de frères de mères différentes, Shotgun Stories fonctionne et le drame., Nichols a basculé pour les clôtures quelques années plus tard avec le psychodrame de la fin du monde tel que nous le savons Take Shelter, et bien que ce soit un travail impressionnant, son sentiment pour les contingences dures et moyennes de L’autosuffisance américaine-de la loyauté obstinée qui se mue en colère meurtrière-n’a jamais été aussi précis. Ni, je dirais, Shannon a nécessairement été mieux, en partie parce que dans 2007, ses éruptions laconiques à volcaniques se sentaient toujours spontanées au lieu d’une signature d’acteur reconnaissable.,

starlette

Sean Baker, 2012

(Music Box Films)

j’aurais pu aller avec Tangerine, la comédie gagnante et stylistiquement innovante de Sean Baker sur iPhone, mais-heureusement—elle a été adoptée à sa sortie et stimulée par le succès de son projet de suite The Florida, nominé aux Oscars. Donc, au lieu de cela, je vais m’attarder sur la starlette sous-vue, sous-estimée et cumulativement écrasante de Baker, une histoire d’amitié féminine entre une jeune interprète de films pour adultes (Dree Hemingway) et la femme plus âgée (feu Besedka Johnson, dans son seul rôle au cinéma) qu’elle rencontre lors d’une vente de garage., L’habileté de Baker avec les acteurs et l’utilisation du décor comme personnage—louée à juste titre dans Tangerine et The Florida Project—n’a jamais été plus sûre que dans la configuration alternativement comique et abjecte de starlette, qui gère des situations lugubres avec une impartialité rafraîchissante et démontre une générosité d’esprit qui ne vient pas naturellement à la plupart des,

Sweetgrass

Lucien Castaing-Taylor et Ilisa Barbash, 2009

(Cinema Guild)

dans les milieux documentaires, les films créés par les membres du Sensory Ethnography Lab de Harvard ont été considérés comme l’un des corpus majeurs et les plus controversés de la décennie: leur descente sans narration et sans information dans une série abus dans un film comme Leviathan juste un autre gadget stylistique?, J’aime la vision lugubre de Leviathan d’un navire de pêche industrielle, mais j’aime vraiment l’expérience antérieure de ses réalisateurs, Sweetgrass, qui documente une conduite de moutons dans les montagnes du Montana.

Upstream Color

Shane Carruth, 2013

(VHX)

en 2004, le major des mathématiques Shane Carruth a réalisé un thriller de voyage dans le temps de 7 000 called appelé Primer qui a rejoint El Mariachi et le Projet Blair Witch dans le canon DIY moderne., Neuf ans plus tard, il a parlé du retour sur investissement robuste de ce film dans le bizarre et séduisant Upstream Color, un thriller de science-fiction presque indescriptible sur—sans ordre particulier—l’enlèvement, le contrôle de l’esprit, les parasites, Walden, le capitalisme tardif, l’anxiété relationnelle, l’élevage porcin et la parentalité., Que le mélange de philosophie, d’horreur corporelle et de montage Malickien de Carruth soit vraiment, profondément cérébral ou un mindfuck sans engagement est difficile à savoir avec certitude, et pourtant, si une définition de l’indépendance est un manque de compromis, Upstream Color se qualifie et excelle: personne d’autre n’a fait un film comme celui-ci, et personne,

Wet Hot American Summer

David Wain, 2001

(USA Films)

OK, on triche un peu ici: techniquement, le distributeur original de WHAS, USA Films, est une filiale D’Universal, et les récentes résurrections Netflix de la comédie culte de David Wain indiquent une approbation grand public assez éloignée des marges., Mais les faits sont des faits: Wet Hot American Summer est le film le plus drôle des années 2000 et a été financé essentiellement à partir de rien en 2001, lorsque ses plus grandes stars étaient Janeane Garofalo et David Hyde Pierce et Siskel et Ebert ont fait tout leur possible pour claquer sa supposée ineptie amateur à la télévision nationale. S’il y a un héritage d’indépendance ici, cela n’a pas à voir avec de l’argent—OK, ça le fait un peu, parce que le film a l’air et sonne aussi bon marché que l’enfer—mais avec une attitude. Chaque blague dans ce film semble être plus pour les gens qui le font que pour un public., Je m’en remets à la sagesse du Village Voice, qui a écrit que « ce film sera détesté, mais il peut être en avance sur son temps.” Pour dire le moins.