De 30 bästa (verkligen) oberoende filmerna från det 21: a århundradet

i 2018 är det svårare än någonsin att vara oberoende i filmens värld. Med Thanos och T. rexes och datoranimerade superfamilies fallande på våra multiplexer, är Do-It-yourself anda av filmhistoria trångt ut, en IP-blockbuster i taget. Men det finns fortfarande några orädda, indie-sinnade artister som kämpar mot kampen. Den här veckan på ringsignalen tittar vi på några veteraner på fältet och några spännande nya deltagare, och försöker förstå var självständig biograf kommer att gå härifrån.,

i sin 1996 bok Spike, Mike, Slackers and Dykes, John Pierson krönikor hans bedrifter som den själv beskrivna ”guru” av oberoende amerikansk film under perioden överbrygga lågbudget, Off-the-grid incursions av 1980-talet-när Spike (Lee) och Mike (Moore) kom ut ur ingenstans att bli hushållsnamn—och 90-talet, som kan delas in i två olika perioder: före och efter Pulp Fiction. Quentin Tarantinos vördnadsfulla, referentiella cinephile-estetik var mer Blockbuster än blockbuster., Det är inte konstigt att en av QT: s samtidiga, Kevin Smith, använder en videobutikmetafor halvvägs genom boken för att beskriva inte bara Piersons jobb som en producents rep utan också kritikernas roll för att få publiken att se filmer med mindre Produktions-och marknadsföringsbudgetar. ”Du tar något som du verkligen gillar … och tar det till folket … du är en mycket selektiv, mycket petiga video clerk.,”

landskapet som beskrivs av Pierson har förändrats oåterkalleligt under de 20 plus åren sedan hans bok publicering-särskilt bokens utgivare, Harvey Weinstein, har gått från power player till persona non grata. Men det är fortfarande ett värdefullt, gossipy dokument av en tid då det var lättare att identifiera skillnaden mellan mainstream och indie. Om” Slacker ” av Piersons saga—det skulle vara Richard Linklater-gör en film som Last Flag Flying for a studio (Amazon), diskvalificerar det omedelbart från övervägande som indie? Förmodligen., Men vad sägs om Boyhood, finansierad över sin 12-åriga genesis av en serie oberoende produktionsbolag och släppt inhemskt av IFC, ett företag vars namn bokstavligen innehåller ordet ”oberoende?”Eller vad sägs om en film som Chloé Zhao’ s the Rider, en av 2018 ’ s true standouts, som gjordes helt bortsett från den traditionella filmskapande apparaten innan den förvärvades i Cannes av Sony Pictures Classics—ett dotterbolag till studion som för närvarande spyr Gift över amerikanska multiplexer., Den allestädes närvarande A24 fungerar nu som en integrerad produktion och distribution kraftverk med dag-och-datum leveranssystem och lukrativa streaming erbjudanden med Amazon Prime. När allt och alla verkar anslutna från toppen ner, blir ”oberoende” en elastisk term. Taxonomi är knepigt.

med detta i åtanke, sammanställa en lista över de bästa—eller kanske låt oss säga de mest intressanta—amerikanska oberoende filmer sedan 2000 är en dåre ärende., Jag har inget emot att se dum ut (jag skrev en bok om Showgirls, för guds skull) men vet att det fanns några grundregler här, bara ett par som bröts. (Se om du kan upptäcka dem!,) Nr filmer som produceras eller distribueras av stora studios eller mini-majors, vilket ledde till beslutet att lämna ut A24 (vilket innebär att ingen Lady Bird, eller Häxa, eller Spring Breakers, eller Ärftlig, eller you name it), nr utländska titlar, eftersom finansiering av strukturer i utlandet är ännu svårare att kategorisera (vilket innebär att autentiskt shoestring mästerverk som Ben Wheatley Ner Terrass kvalificerade sig inte), inget uppenbart ”visitkort” – filmer (även om vissa av dessa filmare fick snappas upp av studios ganska snabbt), och inget behov av att inkludera vissa filmer som Ringer läsare förmodligen redan känner till och älskar., (Sean Fennessey drivit på för införandet av en viss Nicolas Winding Refn thriller med Ryan Gosling vars titel rimmar med ”dive”, men jag utövade min en Kanadensisk-frilansare veto, eftersom att filmen suger.,)

så ta denna lista för vad det är: en sannolikt bristfällig och djupt subjektivt Dyk genom 18 år av självständigt producerad-och i alla fall, oberoende sinnade—filmskapande som kör gamut när det gäller genre och geografi, med regissörer som sträcker sig från tidigare eller nuvarande varumärken (Christopher Nolan, Barry Jenkins) till upptäckter som väntar på att hända (Josephine Decker, Khalik Allah). Betrakta det som ett försök av en tidigare finicky video clerk att ta några saker jag verkligen gillar och dela dem med er alla. Kan inte vänta med att få veta hur fel Jag är på Twitter.,

skådespelerska

Robert Greene, 2014

(Cinema Guild)

Robert Greene är fixerad på prestanda; hans fina indie-brottning porträtt falska det så verkliga och läskiga Kate Lyn Sheil showcase Kate spelar Christine är båda studier av aktörer och deras process. Standout är dock 2014 skådespelerska, en film vars konstiga omständigheter-regissören blev vänner med Wire alumnus Brandy Burre, som var en granne som bodde på gatan i Beacon, New York—belie sin försäkran som porträtt och metafor., Skådespelerskan handlar uppenbarligen om Burres försök att göra en skärm comeback, men det avslöjar sig mer som en film om de andra ”föreställningarna” i hennes liv—som en fru, som en mamma och som en ”skådespelerska”, den senare en arketypalkonstruktion mer komplicerad än någon skriptroll. Lika mycket en essäfilm som en dokumentär, Det är den typ av berusande, intellektuella film som skramlar runt i din hjärna i flera dagar.,

Ballast

Lance Hammer, 2008

(Gravitas Ventures)

det har varit 10 år sedan Batman& Robin digital designer Lance Hammer tappade den viktiga, fantastiska ballasten i en festivalkrets där den var heraded som ankomsten av en stor ny talang. Det faktum att han inte har gjort en film sedan är ett mysterium, och en skam. En stark, gråtonad drama i Mississippi Delta om en DJ vände närbutik ägare (hulking, outplånlig Michael J. Smith Sr.,) som går in i vraket av hans döda identiska tvillings liv-sublimerar sorg och ilska i familjeansvar som han alltid hade undvikit—Ballast visar visuella och berättande kotletter som är jämförbara med Dardennebrödernas arbete; dess klaustrofoba inhemska utrymmen och vidöppna horisontlinjer gör för spännande visning även när tonen förblir tyst och sorglig hela tiden. Av alla filmer på denna lista förtjänar Hammers debut mest att vara bättre känd.,

Blue Ruin

Jeremy Saulnier, 2013

(Radius)

Revenge är en maträtt som bäst serveras bloody raw i Jeremy Saulniers absolut crack-shot thriller, som behandlar en osannolik, självutformad mördare (Macon Blair) kämpar för att räkna med konsekvenserna av hans rättfärdiga vigilantism. Jämförelser med blod enkelt vettigt i den mån blå Ruin är en liknande regional och handgjorda företag, och om Saulnier saknar Coens gåvor för lysande dialog (vem gör det inte?,) han bevisar nästan deras brådmogen lika på att skildra den oroliga tiden i balletter av köttsår och huvudskott. (Titta på det sida vid sida med inget land för gamla män och säg att jag har fel.) Mindre gory än Green Room men effektivare som en spänningsmaskin, Blue Ruin förtjänar sin plats i kanonen av under-the-radar thrillers.,

smör på spärren

Josephine Decker, 2013

(Cinelicious)

surren runt det knepiga, trippy Madelines Madeline föreslår att Decker har dykt upp ur New York indiescenen som en av sina frontlöpare, men hon har gjort synapse-förvrängande arbete i några år nu. Det kryptiska, visionära smöret på spärren, om ett par stadsflickor som deltar i ett Balkanmusikläger mitt i Kalifornien vildmarken och börjar förlora sitt grepp om verkligheten, innehåller skräckfilmsmotiv i en meditation på identitet som är allt annat än Generisk., Massor av indier strävar efter weirdness, men ovanliga sätt att se—både när det gäller bokstavlig kameraplacering och den mer efemära kvaliteten på ”perspektiv”—kommer till Decker naturligt. Smör på spärren är mardrömslik i ordets rätta bemärkelse; dess freakiest stunder verkar ha filmats med ögonen breda stängd.,

Cameraperson

Kirsten Johnson, 2016

(Janus Films)

dela upp titeln på Kirsten Johnsons dokumentär i hälften och en yr komplex serie relationer avslöjar sig: mellan kameran och dess ämnen; mellan kameran och dess operatör; och även mellan personen bakom linsen och folket framför den., En regissör och filmfotograf som har arbetat med den politiska journalisten Laura Poitras (Citizenfour) och samlat bilder från en mängd olika fyllda fläckar över hela världen (Det finns utdrag ur hennes tjänstgöringsturer i Bosnien Och Afghanistan) Johnson visar en vilja att Förhöra sin egen praxis—och i processen illustrerar varför hon är en sådan sterling pro. Det är den sällsynta typen av självmedvetenhet som utstrålar med ödmjukhet istället för personlig branding, och det är viktigt i ett ögonblick när även progressiv nonfiction filmskapande alltför ofta väljer emotionell stenografi och billiga skott.,

kallt väder

Aaron Katz, 2010

(IFC)

huvudpersonen i Aaron Katz söta shaggy semi-thriller längtar efter att vara en detektiv, och hamnar oväntat undersöker en mystisk försvinnande i hans Portland stadsdel. När han börjar röka ett Sherlock Holmes-Ian-rör för att hjälpa till med sin deduktiva process, är det en hipster-påverkan som också är en handling av kärleksfull hyllning., Av alla regissörer som kom ut ur den så kallade ”Mumblecore”-rörelsen, kan Katz den med den enklaste visuella anläggningen. kallt väder har en skarp, skarp färgpalett och assertiva kamerarörelser som hjälper snarare än att överväldiga sina blygsamma genreförlängningar. Det har också fått den bästa bror-syster act I 21st-talet indie (ursäkter till Alex Ross Perry ’ s the Color Wheel), med Cris Lankenau och Trieste Kelly Dunn destillera syskon rivalitet och tillgivenhet till en subtil, ordlös solidaritet, om valskådning eller lyssna på en älskad tonårsblandning.,

dator Schack

Andrew Bujalski, 2013

(Kino Lorber)

i sanning, det finns några filmer av Andrew Bujalski som kunde ha gått här: anbud tvillingsyskon studie bivax; den fåniga ode till självförbättringsresultat; den buoyantly dystra arbetsplatsen komedi stödja flickorna., Anledningen till att Computer Chess får min röst är att det är så singulärt: en deadpan svartvitt oddity sköt på circa-1980-videokameror om en grupp beta-män – alla amatörchess whizzes-som checkar in på ett ensamt hotell för en helgturnering bara för att bli bönder i ett större spel som involverar Pentagon och artificiell intelligens.,

Donnie Darko

Richard Kelly, 2001

(Flower Films)

vid Sundance i januari 2001 imponerade de apokalyptiska vibbarna av Richard Kellys absurdist-sci-fi-Time-travel comedy kritiker; i September samma år förstörde en annonskampanj med ett kraschplan sina chanser till en framgångsrik release., Liksom alla kultklassiker hittade Donnie Darko sin publik—och uppskattning över tiden; nästan 20 år senare verkar dess I-Heart-The-80s ironier mer antropologiska än nostalgiska, medan dess tusenåriga teman alienation, identitetskris och förtvivlan har visat sig vara apt. Och även om twisty-skriptet och demonisk-kaninbilder inte höll upp, skulle filmen ha sin plats i needle-drop hall of fame för hur Kelly vänder Echo och Bunnymen ’ s ”The Killing Moon” till en hymn av krypande, namnlös rädsla.,

Field Niggas

Khalik Allah, 2015

(KhalikoVision)

på papper låter Khalik Allahs experimentella dokumentärhuvudstad-p problematisk. På en gata hörn i Harlem, en grupp av afroamerikanska lokalbefolkningen—många högt på den syntetiska marijuana substitut K2—intervjuas (och utföra) för en digitalkamera som stenar och väver runt deras ansikten med en handhållen, självmedveten stil. Samtidigt har soundtracket manipulerats så att ansikten och dialogen är något ur synk, vilket resulterar i en amorf blandning av identiteter., Så ja, Field Niggas är ett testfall för farorna med esteticiserad etnografi—och kritik av Allahs metoder är giltiga-men det är också en fascinerande prestation av individuell och samhällsporträtt, med hjälp av sina ämnes observationer, argument, bekännelser och asides som både poesi och politisk kommentar. Allah, som använde sin fars 35mm kamera för att fotografera medlemmar av Wu-Tang-klanen och hänvisar till hans multimediaarbete som ”Kameraministerium”, var tillbaka i år med den enormt hyllade svarta mamman; föregångaren är inte så lätt att se men det är värt att söka ut detsamma.,

Fruitvale Station

Ryan Coogler, 2013

(TWC)

alla tre av samarbetena mellan Ryan Coogler och Michael B. Jordan har givit fantastiska föreställningar inom intressanta filmer; skillnaden med Fruitvale Station är att ingen såg dem komma., Det är lite av muskel -, populär stil att Coogler odlas i Creed och Black Panther här, utan i stället det faktum-baserade Fruitvale Station—om avlivning av Oakland bosatt Oscar Grant från BART befattningshavare under 2009—intäkter observationally, att anta en (sista) dagen-i-livet struktur för att fullt dimensionalize en karaktär vars berömmelse i döden hotade att överskugga hans verkliga identitet. Cooglers visdom i styling filmen som en showcase kan inte överskattas: Jordans smarta, magnetiska skådespeleri är star-is-born stuff, och ser mer än någonsin ut som ground zero för en stor karriär.,

Gerry

Gus Van Sant, 2002

(ThinkFilm)

allt som goodwill för god vilja jakt kan köpa en genuint självständigt sinnade kille mycket spelrum-tillräckligt för att göra en dragig, plotless liknelse om två killar som heter Gerry svälter ihjäl i öknen (för att inte förstöra slutet men de inte komma långt till fots). Som ett avvisande av filmkonvent var Gerry snorkig och rolig; som ett utlopp för Van Sants då atrofierande formalistiska muskler var det i sin väg en karriärsparare., Van Sant når tillbaka till den luddiga skönheten i sitt tidigare arbete-särskilt min egen privata Idaho – samtidigt som han föryngrar sig och går framåt mot Cannes och Oscar glory.

George Washington

David Gordon Green, 2000

(Cowboy bilder)

förmodligen den grundläggande amerikanska indie av 2000—talet—så stilistiskt och tonalt inflytelserika framöver som det uppenbarligen påverkades av 70-tals stalwarts som Terrence Malick och Charles Burnett-George Washington använde småskaliga bilder och incidenter för att framkalla större begrepp., Vad bättre sätt att föreslå din film handlar om ”Amerika” (som bostadsort och som abstraktion) än att namnge den efter en grundande far? I huvudsak en” Hur jag tillbringade min sommarsemester ” Riff rentvå i delikat, olycksbådande lyricism, David Gordon Greens film stöttas upp av kritiker som Roger Ebert och gradvis kanoniseras; allt du behöver göra är att titta på några fem minuter i mitten av 90-talet för att se hur en ännu yngre generation av blivande auteurs har absorberat sin atmosfär-är-allt ethos.,

Heaven Knows What

Josh and Benny Safdie, 2014

(Radius)

det är definitivt ett sätt att göra en film: efter att ha träffat en 20-årig tidigare crackmissbrukare på gatorna i New York City uppmuntrade Josh och Benny Safdie henne att skriva en memoir av hennes erfarenheter-och sedan kasta henne i filmversionen., Den våldsamma, levande äktheten av Arielle Holmes prestation i den bokstavliga anpassningen av hennes liv ger henne lika mycket ägande av himlen vet vad som Safdies, vars efterföljande genombrott i förra årets fantastiska bra tid är skyldig mycket till föregångarens rastlösa, nerviga, gatunivårytmer. Himlen vet vad som är en av årtiondets mest skrämmande tittarupplevelser, utan inbyggd komfort eller avstånd.det är en blandning av estetisk innovation, konstnärlig turism, diskutabelt utnyttjande och stealth empati som är lika värt att argumentera över som det tittar på i första hand.,

djävulens hus

Ti West, 2009

(MPI)

det har minskat avkastningen för Ti West sedan den här härliga 80-talet shlock riff, varför det är viktigt att komma ihåg de goda tiderna: Fixx på stereon; Gift på pizza; Greta Gerwig i en stödjande roll; och häxor på vinden. (Plus: Mary Woronov, det närmaste till en walking sigill godkännande för udda genre fare.,) Där de flesta nya skräckfilmer väljer en långsam bränning eller full—on sensorisk överbelastning, blandar djävulens hus stämningar och lägen utan att någonsin förlora syn på sitt primära mål, vilket är att skrämma—snarare än att roa eller Grossa ut-en publik som är för jaded vid denna tidpunkt för att tro att det kan göras. Tro.

Inland Empire

David Lynch, 2006

(Absurda)

slutsatsen av David Lynchs L. A.-trilogi motsätter sig inte bara studiofilmmaking à la Mulholland Drive; Det antar en gränslinje obegriplig visuell och berättande form för att säga adjö till Hollywood för gott., Även för en sådan kongenitalt kompromisslös filmskapare är Inland Empire my-way-or-the-highway saker, som når tillbaka-ibland, till synes med avsikt – till Eraserheads underjordiska chocketos, när dess skapare var en ren ”galning” (för att citera Mel Brooks) istället för vår surrealistiska äldste statsman. Vad du än kan säga om detta strategiskt ful, ansträngande, extraordinära tre timmars prövning-komplett med” Locomotion ” musikvideo-det är filmen av en fri man.,

det kändes som kärlek

Eliza Hittman, 2013

(Variansfilmer)

den grunda fokusbilden av Eliza Hittmans debut förringar dess djup som en kommande ålder fabel. Förutom att vara klok om sin tonåriga kvinnliga huvudpersonens båge från (inte riktigt) oskuld till (mindre än spektakulär) erfarenhet, kändes det som att kärleken uppfattar sina manliga karaktärer med en förödande skarphet., Hittmans” boys-will-be-boys ” – avhandling är inte älskvärd, förlåtande eller accepterande; tvärtom, filmen borst med frustration och förtvivlan över den typ av callow grymhet som orsakas av en plats för privilegium och bas osäkerhet. Med andra ord träffar den nageln på huvudet—och ibland mellan ögonen.

medicin för melankoli

Barry Jenkins, 2008

(IFC)

det är vettigt att kritiker jämförde Barry Jenkins första razzia som författare-regissör till före soluppgången, eftersom dess premiss är egentligen inget annat än en pojke-möter-flicka-och-de-talk-hela dagen historia., Men Richard Linklaters tidigare filmer var aldrig så naturligt politiserade som medicin för melankoli, vars karaktärer-försiktig, militant Mikah (Wyatt Cenac) och skarp, smidig sinnade Jo (Tracey Heggins)-blir utföranden av en större, argumenterande dialektik om assimilering av afroamerikansk konst, kultur och identitet samt gentrifiering i den hela tiden filmiska staden, San Francisco., Inte Mindre Än Moonlight eller om Beale Street kunde prata, filmen är en visuell tour-de-force, med hjälp av färg (och dess frånvaro) för att koda och kontextualisera dialog som är på en gång poetiskt levande och olyckligt varje dag: Lyckligtvis har löftet om sitt lågbudgethantverk och konceptuell intelligens uppfyllts.,

Memento

Christopher Nolan, 2000

(Newmarket)

om du gjorde en Memento-stil film om Christopher Nolans karriär—det vill säga, började det nu och arbetade tillbaka till början—då hans 2000 genombrott skulle vara ett helvete av ett klimax: den typ av perfekt strukturerad och agerade neo-noir som skulle fungera som en annan författare-regissörens krönande prestation., Långt innan han hade bjudit budgetar lika med BNP i ett litet land och hade Michael Caine på speed-dial, Nolan fick big-time produktion värde ur sina ovärderliga instinkter för hur man discombobulate en publik utan att förlora dem helt och hållet; vad gör Memento minnesvärd är inte bara dess Harold Pinter–ish omvänd kronologi men alla de små visuell och verbal information—en tatuering här, en kryptisk one-liner det—att hålla sig fast i bakhuvudet även när de går i en av Guy Pearce antiheroic öronen och ut genom det andra.,

En Förenkling av Hennes Skönhet

Terence Nansiering, 2012

(Variansen Filmer)

populariteten av Slumpmässiga Handlingar av Flyness ska förhoppningsvis att införa tittare till Terence Nance vilt uppfinningsrik, i huvudsak unclassifiable debut funktion, i vilket direktören att spela en version av sig själv—agonizes, rhapsodizes, philosophizes, och aestheticizes en kvinna (Namik Minter) med vilka han har bestämt att han är galet kär även deras vänskap visar tydligt avgränsade platonisk gränser., Det finns aspekter av Woody Allen och Spike Lee här, men också en sparsam, stop-motion fabulism mer besläktad med Michel Gondry, och ändå Nances vision är mer än summan av dess influenser: det illustrerar att konst—oavsett om det är vackert uppriktigt eller vildt odisciplinerat—består av inget mindre (eller mer) än modet att ta något från insidan och sätta ut det i världen.,

gammal glädje

Kelly Reichardt, 2006

(Kino International)

helgkrigarna i Kelly Reichardts humanely humoristiska vägfilm är inte alfa-manliga typer à la Deliverance; de vill inte smida forsar, bara suga sina tidiga medelålders ben i en ensam berg heta källor., På en gång en sly satir av resan-är-destinationen filosofiserande och en djupt kände elegans för eroderande motkulturella värderingar—med Will Oldham som en mer melankolisk version av den Dude—gamla Joy återupprättade sin chef i indie vanguard 12 år efter sin debut flod av gräs. Sedan dess har hon arbetat med alltmer skimrande stjärnor (Michelle Williams, Kristen Stewart), reviderade grundläggande amerikanska filmgenrer (Meeks Cutoff ’ s reckoning with the Western) och bli en märkesnamn auteur. Men detta är fortfarande hennes mest påverkande arbete.,

Pariah

Dee Rees, 2011

(Fokusfunktioner)

historien bakom skapandet av Pariah är lika indie-lärobok som det blir: en film skolavhandling kort expanderat till ett funktionsskript och vårdas i Sundance Directors Lab innan en splashy festival premiär. Men Dee Rees film stod—och står-isär på grund av subkulturell specificitet av dess ämne: som en queer, svart kommande ut historia, förutser Moonlight samtidigt införliva aspekter av sin regissörs egen självbiografi, inramad av känslig, sprudlande filmografi av Bradford Young., Arbeta i härlig tandem, Rees och ung stil bilderna så att både (Adepero Oduye) går från kamerans slående men introverta föremål för källan till dess eleganta point-of-view kompositioner; Rees efterföljande triumf med Mudbound (som fick en Oscar nominering för sin filmografi) bör förhoppningsvis kasta mer ljus på sin debut.,

Polisen Slog

Robinson Devor, 2005

(Nordväst Film Forum/WigglyWorld Studios)

Rhodesian-född politisk krönikör och hip-hop krönikören Charles Mudede cowrote Robinson Devor är fantastiskt, underseen brottslighet drama, baserad på hans erfarenheter som journalist på Seattle ’ s ”polisen slog.”Dess hjälte är en senegalesisk invandrare som arbetar som cykelpolis och berättar sina erfarenheter i sitt infödda Wolof-språk medan vi ser honom interagera på engelska med amerikaner., Denna struktur destillerar Elegant Teman av identitet och assimilering i en film som också trycksätts av urban decay och huvudpersonens spirande romantiska paranoia: undertexten, ”Seven Days of Crime and Delusion”, framkallar David Fincher och Dostoyevsky med lika effektivitet.

Redacted

Brian De Palma, 2007

(Magnolia)

hälsningar, Brian De Palma—bra att ha dig tillbaka!, Ingenting mot den klassiska Hollywood-stilen giallos som gjorde honom till ett hushållsnamn, men redigerade samtidigt irreverent och dödlig seriös utforskning av Irakkriget—iscensatt i en YouTube-kanalstil som bara ser bättre ut och mer förutseende i efterhand—var den återkomst som fans av BDP: s sena 60-tal ”American Godard” – period hade hankat för., Made for less than $ 5 million and released into a fractious Iraq zeitgeist, Redacted divided critics, tanked kommersiellt, och ledde till en ond bakom kulisserna fejd mellan regissören och hans finansiär Mark Cuban-ett gott tecken på att de Palma var vaken och förbannad efter sömnen genom ett decennium av studiouppdrag.

rum 237

Rodney Ascher, 2012

(IFC)

om jag hade en dollar för varje gång jag har läst eller hört någon misstolka Rodney Ascher hemlagad, juridiskt omtvistad, och helt lysande video uppsats om The Shining, skulle jag förmodligen ha $237., Men det är OK, för vilket rum 237 verkligen handlar om-bortom om Stanley Kubrick fejkade månlandningen och använde ett skott av barnets tröja för att bekänna det (spoiler: han gjorde det inte)—är hur även de mest magisteriellt kontrollerade konstverk (t.ex. The Shining) blir vidöppna för tolkning när de når en publik. Glöm Steven Spielbergs obscena CGI-rekreation av förbiseendet i Ready Player One: det är Ascher som verkligen kommer in i Kubricks mästerverk.,

ryttaren

Chloé Zhao, 2017

(Sony Pictures Classics)

västerländska myter få sätta igenom wringer i Chloe Zhaos visuellt robust, känslomässigt känsliga drama, där en misshandlad cowboy (Brady Jandreau spelar en nedbruten version av sig själv) måste bestämma värdet av att komma tillbaka i sadeln igen., Del landskap film, del samhälls studie, och helt underbara på ett sätt som innehåller men inte skjuta till estetik klassiska västerlänningar, ryttaren fått tillräckligt kritisk uppmärksamhet som Zhao har tappats-överraskande och kanske lite oroande – att ta sina talanger till MCU. Men det äventyret går, framgången med denna oroliga, unika funktion innebär att Zhaos plats i den moderna indie vanguard är säker-antingen tills hon kommer tillbaka eller går vidare helt.,

Shotgun Stories

Jeff Nichols, 2007

(Multicom)

”detta började för länge sedan”, säger Son (Michael Shannon) av interfamiljfejden som driver Jeff Nichols dammiga, outplånliga debut; medan det är lätt att intuit metafor (social och biblisk) i Hatet festering mellan filmens två uppsättningar av bröder från olika mödrar, Shotgun Stories fungerar eftersom det är så övertygande på nivåerna av karaktär och drama., Nichols svängde för staketet ett par år senare med slutet av världen som vi vet att psychodrama tar skydd, och medan det är ett imponerande arbete, har hans känsla för den hårda, genomsnittliga oförutsedda amerikanska självförsörjningen-av envis lojalitet som muterar till mordisk ilska—aldrig varit mer exakt. Inte heller, jag skulle säga, har Shannon nödvändigtvis varit bättre, delvis för att 2007 kände hans lakoniska vulkanutbrott fortfarande spontant istället för som en igenkännlig actorly signatur.,

Starlet

Sean Baker, 2012

(Music Box Films)

Jag kunde ha gått med Tangerine, Sean Bakers vinnande, stilistiskt innovativa iPhone-shot komedi, men—lyckligtvis—det omfamnades vid release och förstärktes av framgången med hans Oscar-nominerade uppföljning av Florida-projektet. Så istället ska jag stumpa för Baker ’ s underseen, underrated, kumulativt överväldigande Starlet, en Los Angeles–uppsättning berättelse om kvinnlig vänskap mellan en ung vuxenfilmsartist (Dree Hemingway) och den äldre kvinnan (den sena Besedka Johnson, i hennes enda filmroll) möter hon på en gårdsförsäljning., Bakers skicklighet med skådespelare och användning av inställning som karaktär—med rätta berömd i Tangerine och Florida—projektet-var aldrig surare än i starlets växelvis komiska och abject setup, som hanterar luriga situationer med uppfriskande jämnhet och visar en generositet av ande som inte kommer naturligt för de flesta kallare än-du-regissörer—och som inte kan förfalskas.,

Sweetgrass

Lucien Castaing-Taylor och Ilisa Barbash, 2009

(Cinema Guild)

i dokumentärcirklar har filmerna som skapats av medlemmarna i Harvards sensoriska Etnografiska labb ansetts vara en av årtiondets största och mest omtvistade arbetsorgan: har deras berättande-och-informationsfri nedstigning i en serie ovanliga fysiska miljöer och socioekonomiska ekosystem representerar en ny fas av verite eller är den skenande GoPro missbruk i en film som Leviathan bara en annan stilistisk gimmick?, Jag gillar Leviathans doomy syn på ett industrifiskefartyg, men jag älskar verkligen dess direktörers tidigare experiment, Sweetgrass, som dokumenterar en fårkörning i bergen i Montana.

uppströms färg

Shane Carruth, 2013

(VHX)

2004 gjorde matematik major Shane Carruth en $7,000 tidsresande thriller som heter Primer som gick med i El Mariachi och Blair Witch-projektet i den moderna DIY-kanonen., Nio år senare samtalade han med filmens robusta avkastning på investeringar i den bisarra och beguiling Uppströmsfärgen, en nästan obeskrivlig sci-fi-thriller om—i ingen särskild ordning-kidnappning, mind-control, parasiter, Walden, sen kapitalism, relationsångest, grisuppfödning och föräldraskap., Huruvida Carruths blandning av filosofi, kroppsskräck och Malickian slipstream redigering är verkligen, djupt cerebral eller en åtagandefri mindfuck är svår att veta säkert, och ändå om en definition av självständighet är en brist på kompromiss, kvalificerar uppströms färg och utmärker sig: ingen annan har gjort en film som denna, och ingen annan skulle försöka.,

Wet Hot American Summer

David Wain, 2001

(USA Films)

OK, vi fuskar lite här: Tekniskt, WHAS ursprungliga distributör, USA Films, är ett dotterbolag till Universal, och de senaste Netflix återuppståndanden av David Wains kult komedi indikerar en mainstream godkännande som är ganska långt från marginalerna., Men fakta är fakta: Wet Hot American Summer är den roligaste film av 2000-talet och finansierades i huvudsak av tunn luft tillbaka som 2001, då dess största stjärnor var Janeane Garofalo och David Hyde Pierce och Siskel och Ebert gick ut ur deras sätt att slam dess förmodade amatör-timmars oduglighet på nationell tv. Om det finns ett arv av självständighet här, det har inte att göra med pengar—OK, det gör lite, eftersom filmen ser ut och låter så billigt som fan-men med en attityd. Varje skämt i den här filmen verkar vara mer för de människor som gör det än för en publik., Jag skjuter upp visdom byn röst, som skrev att ” den här filmen kommer att avsky, men det kan vara före sin tid.”Minst sagt.