I 30 migliori film (veramente) indipendenti del 21 ° secolo

Nel 2018, è più difficile che mai essere indipendenti nel mondo del cinema. Con Thanos e T. rexes e superfamiglie animate al computer che scendono sui nostri multiplex, lo spirito fai-da-te della storia del cinema viene affollato, un blockbuster IP alla volta. Ma ci sono ancora alcuni artisti impavidi e indie che combattono la lotta. Questa settimana su The Ringer, vedremo alcuni veterani del campo e alcuni nuovi interessanti entranti, e cercheremo di capire dove andrà il cinema indipendente da qui.,

Nella sua 1996 libro Spike, Mike, Fannulloni e Dighe, John Pierson racconta il suo exploit come il sedicente “guru” del cinema indipendente Americano nel periodo colmare il low-budget, off-the-grid incursioni del 1980, quando Spike (Lee) e Mike (Moore) è venuto fuori dal nulla per diventare nomi della famiglia—e ’90, che potrebbe essere diviso in due periodi distinti: prima e dopo Pulp Fiction. L’estetica riverente e referenziale del cinefilo di Quentin Tarantino era più Blockbuster che blockbuster., Non c’è da meravigliarsi che uno dei contemporanei di QT, Kevin Smith, usi una metafora del video-store a metà del libro per descrivere non solo il lavoro di Pierson come rappresentante del produttore, ma anche il ruolo dei critici nel far vedere al pubblico film con budget di produzione e marketing più piccoli. “Prendi qualcosa che ti piace davvero take e portalo alla gente you sei un impiegato video molto selettivo e molto schizzinoso.,”

Il paesaggio descritto da Pierson è cambiato irrevocabilmente negli oltre 20 anni dalla pubblicazione del suo libro-in particolare, l’editore del libro, Harvey Weinstein, è passato da power player a persona non grata. Ma è ancora un documento prezioso e pettegolo di un tempo in cui era più facile identificare la differenza tra mainstream e indie. Se il” fannullone ” della saga di Pierson—che sarebbe Richard Linklater-fa un film come Last Flag Flying for a studio (Amazon), lo squalifica immediatamente dalla considerazione come indie? Probabilmente., Ma per quanto riguarda Boyhood, finanziato nel corso della sua genesi di 12 anni da una serie di società di produzione indipendenti e rilasciato a livello nazionale da IFC, una società il cui nome contiene letteralmente la parola “indipendente?”O che ne dici di un film come The Rider di Chloé Zhao, uno dei veri standout del 2018, che è stato completamente separato dal tradizionale apparato cinematografico prima di essere acquisito a Cannes da Sony Pictures Classics—una filiale dello studio che attualmente sputa veleno in tutti i multiplex americani., L’onnipresente A24 opera ora come una centrale elettrica di produzione e distribuzione integrata con sistemi di consegna day-and-date e lucrative offerte di streaming con Amazon Prime. Quando tutto e tutti sembrano collegati dall’alto verso il basso,” indipendente ” diventa un termine elastico. La tassonomia è difficile.

Con questo in mente, compilare una lista dei migliori—o forse diciamo i più interessanti—film indipendenti americani dal 2000 è una commissione da pazzi., Non mi dispiace sembrare sciocco (ho scritto un libro sulle Showgirls, per l’amor di Dio) ma so che c’erano alcune regole di base qui, solo un paio delle quali erano infrante. (Vedi se riesci a individuarli!,) Film prodotti o distribuiti da major o mini-major, che ha portato alla decisione di lasciare fuori A24 (ovvero Lady Bird, o La Strega, o Spring Breakers, o Ereditario, o è il nome); no estero titoli, in quanto le strutture di finanziamento all’estero sono anche più difficili da classificare (il che significa che autenticamente soldi capolavori come Ben Wheatley Giù Terrazza non si qualifica); non evidenti “calling card”, film (anche se alcuni di questi registi ha acquisito da monolocali abbastanza veloce); e non c’è bisogno di includere alcuni film che Suoneria lettori probabilmente già conoscono e amano., (Sean Fennessey ha spinto per l’inclusione di un certo thriller di Nicolas Winding Refn con Ryan Gosling il cui titolo fa rima con “dive” ma ho esercitato il mio unico veto canadese-freelancer, dal momento che quel film fa schifo.,)

questo elenco per quello che è: un probabile difettoso e profondamente soggettivo immersione attraverso 18 anni di prodotto in autonomia e in tutti i casi, indipendente-mente il—cinema che gestisce la gamma in termini di genere e geografia, con amministratori che vanno dal passato-o-presenti nomi di marca (Christopher Nolan, Barry Jenkins), alle scoperte in attesa di accadere (Josephine Decker, Khalik Allah). Consideralo il tentativo di un ex impiegato video schizzinoso di prendere alcune cose che mi piacciono molto e condividerle con tutti voi. Non vedo l’ora di essere detto quanto sono sbagliato su Twitter.,

Attrice

Robert Greene, 2014

(Cinema Guild)

Robert Greene è fissato sulla performance; il suo bel ritratto indie-wrestling Falso in modo reale e raccapricciante Kate Lyn Sheil showcase Kate Interpreta Christine sono entrambi studi di attori e il loro processo. Lo standout, tuttavia, è l’attrice del 2014, un film le cui strane circostanze-il regista è diventato amico dell’alunno di Wire Brandy Burre, che era un vicino di casa che viveva in fondo alla strada a Beacon, New York—smentiscono la sua assicurazione come ritrattistica e metafora., Apparentemente, l’attrice parla del tentativo di Burre di fare un ritorno sullo schermo, ma si rivela più come un film sulle altre “performance” della sua vita—come moglie, come madre e come “attrice”, quest’ultima un costrutto archetipico più complicato di qualsiasi ruolo sceneggiato. Tanto un film saggio come un documentario, è il tipo di inebriante, film intellettuale che si agita nel tuo cervello per giorni.,

Ballast

Lance Hammer, 2008

(Gravitas Ventures)

Sono passati 10 anni da quando Batman& Robin digital designer Lance Hammer ha abbandonato la pesante e sorprendente Zavorra in un circuito di festival dove è stato annunciato come l’arrivo di un nuovo grande talento. Il fatto che non abbia fatto un film da allora è un mistero e una vergogna. Un dramma duro e grigio ambientato nel Delta del Mississippi su un DJ diventato proprietario di un minimarket (l’imponente e indelebile Michael J. Smith Sr.,) che entra nel relitto della vita del suo gemello identico morto—sublimando il dolore e la rabbia in responsabilità familiari che aveva sempre evitato—Ballast mostra braciole visive e narrative paragonabili al lavoro dei fratelli Dardenne; i suoi claustrofobici spazi domestici e le linee dell’orizzonte spalancate rendono la visione emozionante anche se il suo tono rimane silenzioso e triste per tutto. Di tutti i film in questa lista, il debutto di Hammer merita di essere meglio conosciuto.,

Blue Ruin

Jeremy Saulnier, 2013

(Radius)

La vendetta è un piatto che viene servito sanguinosamente crudo nel thriller assolutamente crack-shot di Jeremy Saulnier, che si occupa di un improbabile, sedicente assassino (Macon Blair) che lotta per fare i conti con le conseguenze del suo giusto vigilantismo. I confronti con Blood Simple hanno senso nella misura in cui Blue Ruin è un’impresa simile regionale e artigianale, e se a Saulnier mancano i doni dei Coen per un dialogo brillante (chi non lo fa?,) dimostra quasi la loro precoce eguaglianza nel rappresentare l’ansioso tempo morto in balletti di ferite di carne e colpi alla testa. (Guardalo fianco a fianco senza un paese per vecchi e dimmi che mi sbaglio. Meno cruento di Green Room ma più efficace come macchina da brivido, Blue Ruin merita il suo posto nel canone dei thriller sotto il radar.,

Butter on the Latch

Josephine Decker, 2013

(Cinelicious)

Il ronzio intorno al difficile, trippy Madeline di Madeline suggerisce che Decker è emerso dalla scena indie di New York come uno dei suoi front-runners, ma ha fatto synapse-scrambling lavoro per alcuni anni. Il criptico, visionario Butter on the Latch, su una coppia di ragazze di città che frequentano un campo di musica balcanica nel mezzo della natura selvaggia della California e iniziano a perdere la presa sulla realtà, incorpora motivi horror-movie in una meditazione sull’identità che è tutt’altro che generico., Molte indie cercano stranezze, ma modi insoliti di vedere—sia in termini di posizionamento letterale della telecamera che di qualità più effimera della “prospettiva”—vengono naturalmente a Decker. Burro sul fermo è da incubo nel senso più vero; i suoi momenti freakiest sembrano essere stati filmati con gli occhi spalancati.,

Cameraperson

Kirsten Johnson, 2016

(Janus Films)

Dividere il titolo di Kirsten Johnson documentario a metà e una vertiginosa serie complessa di relazioni si rivelano: tra la fotocamera e i suoi soggetti; tra la fotocamera e il suo operatore; e anche tra la persona dietro l’obiettivo e la gente davanti., Regista e direttore della fotografia che ha lavorato con la giornalista politica Laura Poitras (Citizenfour) e raccolto filmati da una varietà di punti irti in tutto il mondo (ci sono estratti dai suoi tour di servizio in Bosnia e Afghanistan) Johnson mostra la volontà di interrogare la propria pratica—e nel processo illustra perché è una professionista così brillante. È il raro tipo di autocoscienza che si irradia con umiltà invece del personal branding, ed è essenziale in un momento in cui anche il cinema progressista di saggistica opta troppo spesso per la stenografia emotiva e gli scatti economici.,

Cold Weather

Aaron Katz, 2010

(IFC)

Il protagonista del semi-thriller dolcemente irsuto di Aaron Katz desidera diventare un detective e finisce inaspettatamente per indagare su una misteriosa scomparsa nel suo quartiere di Portland. Quando inizia a fumare una pipa Sherlock Holmes–ian per aiutare con il suo processo deduttivo, è un affetto hipster che è anche un atto di omaggio amorevole., Di tutti i registi che sono emersi dal cosiddetto movimento “Mumblecore”, Katz potrebbe essere quello con la facilità visiva più semplice; Cold Weather ha una tavolozza di colori nitida e nitida e movimenti di macchina assertivi che aiutano piuttosto che sopraffare le sue modeste aspirazioni di genere. Ha anche il miglior atto fratello-sorella nell’indie del 21 ° secolo (scuse a The Color Wheel di Alex Ross Perry), con Cris Lankenau e Trieste Kelly Dunn che distillano rivalità e affetto tra fratelli in una sottile solidarietà senza parole, sia che si tratti di whale-watching o di ascoltare un amato mixtape adolescenziale.,

Computer Chess

Andrew Bujalski, 2013

(Kino Lorber)

In verità, ci sono alcuni film di Andrew Bujalski che potrebbero essere andati qui: il tenero studio a due fratelli Beeswax; l’ode goofy ai risultati di auto-miglioramento; la commedia sul posto di lavoro buoyantly tetro Supporta le ragazze., Il motivo per cui gli scacchi per computer ottengono il mio voto è perché è così singolare: una stranezza in bianco e nero impassibile girata su videocamere di circa-1980 su un gruppo di maschi beta-tutti gli scacchi dilettanti-che fanno il check in un hotel solitario per un torneo di fine settimana solo per diventare pedine in qualche gioco più grande che,

Donnie Darko

Richard Kelly, 2001

(Flower Films)

Al Sundance film festival nel gennaio del 2001, l’apocalittica vibrazioni di Richard Kelly assurdo-sci-fi-viaggio nel tempo commedia impressionato la critica; da settembre dello stesso anno, una campagna pubblicitaria con un aereo schiantarsi distrutto la sua possibilità di successo di rilascio., Come tutti i classici di culto, Donnie Darko ha trovato il suo pubblico—e apprezzamento-nel tempo; quasi 20 anni dopo, le sue ironie I-Heart-the – ’80s sembrano più antropologiche che nostalgiche, mentre i suoi temi millenari di alienazione, crisi di identità e disperazione si sono dimostrati adatti. E anche se la sceneggiatura tortuosa e le immagini di coniglietto demoniaco non reggevano, il film avrebbe avuto il suo posto nella hall of fame di needle-drop per il modo in cui Kelly trasforma Echo e “The Killing Moon” dei Bunnymen in un inno di terrore strisciante e innominabile.,

Campo Niggas

Khalik Allah, 2015

(KhalikoVision)

Sulla carta, documentario sperimentale di Khalik Allah suona capitale-P problematico. In un angolo di strada ad Harlem, un gruppo di afro-americani locali-molti alti sul sostituto sintetico della marijuana K2 – sono intervistati (e si esibiscono) per una fotocamera digitale che oscilla e tesse intorno ai loro volti con un palmare, stile consapevole. Nel frattempo, la colonna sonora è stata manipolata in modo che i volti e il dialogo siano leggermente fuori sincrono, risultando in una fusione amorfa di identità., Quindi sì, Field Niggas è un banco di prova per i pericoli dell’etnografia estetizzata—e le critiche dei metodi di Allah sono valide—ma è anche una prodezza ipnotizzante di ritrattistica individuale e comunitaria, usando le osservazioni, gli argomenti, i confessionali e gli aspetti poetici e politici dei suoi soggetti. Allah, che ha usato la fotocamera da 35 mm di suo padre per fotografare i membri del Wu-Tang Clan e si riferisce al suo lavoro multimediale come “Camera Ministry”, è tornato quest’anno con l’acclamatissimo Black Mother; il suo predecessore non è così facile da vedere, ma vale la pena cercare lo stesso.,

Fruitvale Station

Ryan Coogler, 2013

(TWC)

Tutte e tre le collaborazioni tra Ryan Coogler e Michael B. Jordan, hanno prodotto formidabile performance all’interno di film interessanti; la differenza con Fruitvale Station è che nessuno li vedeva., C’è poco dello stile muscoloso e popolare che Coogler ha coltivato in Creed e Black Panther qui; invece, la stazione di Fruitvale basata sui fatti-sull’uccisione del residente di Oakland Oscar Grant da parte degli ufficiali di BART nel 2009—procede osservativamente, adottando una (ultima) struttura day—in-the-life per dimensionare completamente un personaggio la cui fama nella morte minacciava di oscurare La saggezza di Coogler nello styling del film come una vetrina non può essere sopravvalutata: la recitazione intelligente e magnetica di Jordan è roba da star-is-born e sembra più che mai ground zero per una carriera importante.,

Gerry

Gus Van Sant, 2002

(ThinkFilm)

Tutta quella buona volontà per la caccia di Buona Volontà può comprare un ragazzo sinceramente indipendente, abbastanza per fare una parabola trascinante e senza trama su due ragazzi di nome Gerry che muoiono di fame nel deserto (per non rovinare il finale ma non vanno lontano a piedi). Come rifiuto della convenzione cinematografica, Gerry era moccioso e divertente; come sbocco per i muscoli formalisti allora atrofizzanti di Van Sant, era, a suo modo, un risparmiatore di carriera., Van Sant torna alla bellezza languida del suo lavoro precedente-in particolare Il mio Idaho privato-mentre ringiovanisce se stesso e avanza verso Cannes e la gloria degli Oscar.

George Washington

David Gordon Green, 2000

(Cowboy Foto)

Probabilmente i perché indipendente Americano degli anni 2000—come stilisticamente e timbricamente influenti andando avanti come si era evidentemente influenzato dagli anni ’70 sostenitori come Terrence Malick e Charles Burnett—George Washington, di piccola scala, immagini e incidenti evocano grandi concetti., Quale modo migliore per suggerire che il tuo film parli di “America” (come luogo di residenza e come astrazione) che chiamarlo come un Padre fondatore? Essenzialmente un riff di” How I Spent My Summer Vacation “inondato di lirismo delicato e minaccioso, il film di David Gordon Green è stato sostenuto da critici come Roger Ebert e gradualmente canonizzato; tutto ciò che devi fare è guardare cinque minuti di metà degli anni’ 90 per vedere come una generazione ancora più giovane di aspiranti autori ha assorbito il suo ethos atmosphere-is-everything.,

Heaven Knows What

Josh e Benny Safdie, 2014

(Radius)

È sicuramente un modo per fare un film: dopo aver incontrato un ex tossicodipendente di 20 anni per le strade di New York, Josh e Benny Safdie l’hanno incoraggiata a scrivere un libro di memorie delle sue esperienze-e poi a lanciarla nella versione cinematografica., L’autenticità feroce e vissuta della performance di Arielle Holmes nell’adattamento letterale della sua vita le conferisce la stessa proprietà di Heaven Knows What as the Safdies, la cui successiva svolta nel superbo Good Time dello scorso anno deve molto ai ritmi irrequieti, nervosi, a livello di strada del suo predecessore. Il cielo sa qual è una delle esperienze di visione più strazianti del decennio, senza comfort o distanza incorporati; è un mix di innovazione estetica, turismo artistico, sfruttamento discutibile ed empatia furtiva che vale la pena discutere come sta guardando in primo luogo.,

The House of the Devil

Ti West, 2009

(MPI)

I rendimenti di Ti West sono diminuiti da questo fantastico riff shlock degli anni ’80, motivo per cui è importante ricordare i bei tempi: Il Fixx sullo stereo; poison sulla pizza; Greta Gerwig in un ruolo di supporto; e witches in the attic. (Plus: Mary Woronov, la cosa più vicina a un sigillo ambulante di approvazione per la tariffa di genere insolito., Dove la maggior parte dei film horror newish opta per una bruciatura lenta o un sovraccarico sensoriale completo, House of the Devil mescola stati d’animo e modalità senza mai perdere di vista il suo obiettivo primario, che è quello di terrorizzare-piuttosto che divertire o disgustare—un pubblico che è troppo stanco a questo punto per pensare che possa essere fatto. Credere.

Inland Empire

David Lynch, 2006

(Absurda)

La conclusione della trilogia di Los Angeles di David Lynch non si limita a ripudiare il cinema in studio à la Mulholland Drive; adotta una forma visiva e narrativa incomprensibile e borderline per dire addio a Hollywood per sempre., Anche per un regista così congenitamente intransigente, Inland Empire è la mia roba da strada o da autostrada, che risale-a volte, apparentemente di proposito-all’ethos underground-shock di Eraserhead, quando il suo creatore era un semplice “maniaco” (per citare Mel Brooks) invece del nostro anziano statista surrealista. Qualunque altra cosa tu possa dire su questo calvario strategicamente brutto, estenuante, straordinario di tre ore-completo di video musicale “Locomotion” – è il film di un uomo libero.,

Sembrava amore

Eliza Hittman, 2013

(Variance Films)

Le immagini poco profonde del debutto di Eliza Hittman smentiscono la sua profondità come una favola di formazione. Oltre ad essere saggio sull’arco del suo protagonista femminile adolescente dall’innocenza (non proprio) all’esperienza (meno che spettacolare), Sembrava che l’Amore percepisse i suoi personaggi maschili con un’acutezza devastante., La tesi di Hittman “boys-will-be-boys” non è accattivante, perdona o accetta; al contrario, il film è pieno di frustrazione e disperazione per il tipo di crudeltà inflitta da un luogo di privilegio e insicurezza di base. In altre parole, colpisce il chiodo sulla testa—e, a volte, tra gli occhi.

Medicine for Melancholy

Barry Jenkins, 2008

(IFC)

Ha senso che i critici abbiano paragonato la prima incursione di Barry Jenkins come scrittore-regista a Before Sunrise, poiché la sua premessa non è altro che una storia di boy-meets-girl-and-they-talk-all-day., Ma i film precedenti di Richard Linklater non sono mai stati così intrinsecamente politicizzati come Medicine for Melancholy, i cui personaggi-diffidente, militante Micah (Wyatt Cenac) e tagliente, dalla mente elastica Jo (Tracey Heggins)-diventano incarnazioni di una dialettica più ampia e argomentativa sull’assimilazione dell’arte, della cultura e dell’identità afroamericana così come la gentrificazione in quella città cinematografica di tutti i tempi, San Francisco., Non meno di Moonlight o Se Beale Street potesse parlare, il film è un tour-de-force visivo, usando il colore (e la sua assenza) per codificare e contestualizzare un dialogo che è allo stesso tempo poeticamente vivido e goffamente quotidiano: fortunatamente, la promessa della sua artigianalità a basso budget e intelligenza concettuale è stata soddisfatta.,

Memento

Christopher Nolan, 2000

(Newmarket)

Se hai fatto un film in stile Memento sulla carriera di Christopher Nolan-cioè, iniziato ora e lavorato di nuovo all’inizio—allora la sua svolta del 2000 sarebbe un inferno di un climax: il tipo di neo—noir perfettamente strutturato e recitato che servirebbe come un altro, Molto tempo prima che egli comandò budget pari al PIL di un piccolo paese, con Michael Caine sulla velocità di connessione, Nolan ha grande valore della produzione al di fuori del suo inestimabile istinti per come discombobulate un pubblico senza perdere del tutto; ciò che rende Ricordo memorabile non è solo la sua Harold Pinter–ish invertire la cronologia, ma tutte le piccole visiva e verbale dettagli—un tatuaggio qui, un criptico one-liner c’—che si attaccano saldamente nella parte posteriore della nostra mente, pur di andare in uno di Guy Pearce antiheroic orecchie e gli altri.,

Una Semplificazione della Sua Bellezza

Terence Nanza, 2012

(Varianza Film)

La popolarità di Atti Casuali di Flyness spera, dovrebbe introdurre gli spettatori a Terence Nanza incredibilmente inventivo, essenzialmente inclassificabili di debutto, in cui il regista—a giocare ad una versione di se stesso—, agonizza, rhapsodizes, philosophizes, e aestheticizes una donna (Namik Minter) con la quale ha deciso lui è follemente innamorato, anche se la loro amicizia visualizza chiaramente delimitate platonico confini., Ci sono aspetti di Woody Allen e Spike Lee qui, ma anche un fabulismo parsimonioso e stop-motion più simile a Michel Gondry, eppure la visione di Nance è più che la somma delle sue influenze: illustra che l’arte—meravigliosamente sincera o selvaggiamente indisciplinata—consiste in niente di meno (o di più) del coraggio di prendere qualcosa dall’interno e metterlo al mondo.,

Old Joy

Kelly Reichardt, 2006

(Kino International)

I guerrieri del fine settimana nel road movie umanamente umoristico di Kelly Reichardt non sono tipi alfa-maschili à la Deliverance; non vogliono forgiare rapide, immergono solo le loro ossa di mezza età in una sorgente calda di montagna solitaria., Allo stesso tempo una satira furba di viaggio-è-la-destinazione filosofica e un’elegia profondamente sentita per erodere i valori controculturali—con Will Oldham come una versione più malinconica di The Dude—Old Joy ha ristabilito il suo regista nell’avanguardia indie 12 anni dopo il suo debutto River of Grass. Da allora, ha lavorato con stelle sempre più luccicanti (Michelle Williams, Kristen Stewart), ha rivisto i generi cinematografici americani fondamentali (la resa dei conti di Meek con il Western) e è diventata un’autrice di marca. Ma questo rimane il suo lavoro più importante.,

Pariah

Dee Rees, 2011

(Focus Features)

La storia dietro la realizzazione di Pariah è come indie-libro di testo come si arriva: una tesi di scuola di cinema breve ampliato in uno script caratteristica e nutrito nel Sundance Directors Lab prima di una prima festival splashy. Ma il film di Dee Rees si è distinto—e si distingue-per la specificità subculturale del suo soggetto: come una storia di coming-out queer e nera, anticipa Moonlight incorporando aspetti dell’autobiografia del suo regista, incorniciata dalla cinematografia sensibile ed esuberante di Bradford Young., Lavorando in glorioso tandem, Rees e Young disegnano le immagini in modo che Alike (Adepero Oduye) passi dal soggetto sorprendente ma introverso della fotocamera alla fonte delle sue eleganti composizioni dal punto di vista; il successivo trionfo di Rees con Mudbound (che ha ricevuto una nomination all’Oscar per la sua fotografia) dovrebbe sperare di fare più luce sul suo debutto.,

Police Beat

Robinson Devor, 2005

(Northwest Film Forum/WigglyWorld Studios)

L’incredibile dramma criminale underseen di Robinson Devor, basato sulle sue esperienze come giornalista di “police beat” di Seattle.”Il suo eroe è un immigrato senegalese che lavora come poliziotto in bicicletta e racconta le sue esperienze nella sua lingua nativa Wolof mentre lo guardiamo interagire in inglese con gli americani., Questa struttura distilla elegantemente temi di identità e assimilazione in un film che è anche pressurizzato dal degrado urbano e dalla paranoia romantica a spirale del suo protagonista: il sottotitolo, “Sette giorni di crimine e illusione”, evoca David Fincher e Dostoevskij con uguale efficacia.

Redatto

Brian De Palma, 2007

(Magnolia)

Saluti, Brian De Palma—è bello riaverti!, Niente contro i classici gialli in stile hollywoodiano che lo hanno reso un nome familiare, ma l’esplorazione allo stesso tempo irriverente e mortale della guerra in Iraq—messa in scena in uno stile di canale YouTube che sembra solo migliore e più preveggente in retrospettiva-è stato il ritorno che i fan del periodo “American Godard” di BDP alla fine degli anni’60 avevano, Realizzato per meno di million 5 milioni e rilasciato in uno zeitgeist Irak scontroso, Redatta critici divisi, tanked commercialmente, e ha portato a una feroce faida dietro le quinte tra il regista e il suo finanziere Mark Cuban-un buon segno che De Palma era sveglio e incazzato dopo sonnambulismo attraverso un decennio di incarichi in studio.

Camera 237

Rodney Ascher, 2012

(IFC)

Se avessi un dollaro per ogni volta che ho letto o sentito qualcuno fraintendere il saggio video fatto in casa, legalmente controverso e completamente brillante di Rodney Ascher su The Shining, probabilmente avrei $237., Ma va bene, perché ciò che la Stanza 237 è davvero-al di là del fatto che Stanley Kubrick abbia simulato o meno lo sbarco sulla luna e abbia usato un colpo di maglione da bambino per confessarlo (spoiler: non l’ha fatto)—è come anche le opere d’arte più magistralmente controllate (ad esempio The Shining) diventano spalancate all’interpretazione nel momento in cui raggiungono Dimentica l’oscena ricreazione in CGI di Steven Spielberg dell’Overlook in Ready Player One: è Ascher che entra veramente nella follia del capolavoro di Kubrick.,

Il Pilota

Chloé Zhao, 2017

(Sony Pictures Classics)

Western miti avere messo attraverso il strizzatore Chloe Zhao visivamente robusto, emotivamente delicato dramma, in cui un malconcio cowboy (Brady Jandreau la riproduzione di un guasto versione di se stesso) deve decidere il valore di tornare di nuovo in sella., Parte film di paesaggio, parte studio della comunità, e del tutto splendida in un modo che incorpora, ma non rinvia all’estetica dei western classici, Il Pilota ha ricevuto abbastanza attenzione critica che Zhao è stato sfruttato—sorprendentemente e forse un po ‘ preoccupante—per portare il suo talento al MCU. Comunque vada questa avventura, il successo di questa caratteristica ansiosa e unica significa che il posto di Zhao nell’avanguardia indie contemporanea è sicuro—o fino a quando non ritorna o va avanti completamente.,

Shotgun Stories

Jeff Nichols, 2007

(Multicom)

“Questo è iniziato molto tempo fa”, dice il Figlio (Michael Shannon) inter-feudo della famiglia che le unità di Jeff Nichols, polverosi, indelebile debutto; mentre è facile intuire metafora sociale e biblico) in odio dolorosa tra i film di due coppie di fratelli di madri diverse, Shotgun Stories funziona perché è così convincente a livello di carattere e di dramma., Nichols ha oscillato per le recinzioni un paio di anni dopo con lo psicodramma end-of-the-world-as-we-know-it Take Shelter, e mentre questo è un pezzo impressionante di lavoro, il suo sentimento per le contingenze dure e meschine dell’autosufficienza americana-di lealtà testarda che muta in rabbia omicida—non è mai stato più preciso. Né, direi, Shannon è stato necessariamente migliore, in parte perché nel 2007, le sue eruzioni laconiche-vulcaniche si sentivano ancora spontanee invece che come una firma attoriale riconoscibile.,

Starlet

Sean Baker, 2012

(Music Box Films)

Avrei potuto andare con Tangerine, la commedia vincente e stilisticamente innovativa di Sean Baker, ma-fortunatamente—è stata abbracciata al momento dell’uscita e potenziata dal successo del suo seguito candidato all’Oscar The Florida Project. Quindi, invece, mi fermerò per Baker underseen, sottovalutato, cumulativamente travolgente Starlet, una storia ambientata a Los Angeles di amicizia femminile tra una giovane interprete di film per adulti (Dree Hemingway) e la donna più anziana (la defunta Besedka Johnson, nel suo unico ruolo cinematografico) che incontra in un cantiere di vendita., L’abilità di Baker con gli attori e l’uso dell’ambientazione come personaggio—giustamente lodato in Tangerine e The Florida Project—non è mai stata più sicura di quella di Starlet, alternativamente comica e abietta, che gestisce situazioni luride con rinfrescante uniformità e dimostra una generosità di spirito che non viene naturalmente alla maggior parte dei registi più freddi di te-e che,

Sweetgrass

Lucien Castaing-Taylor e Ilisa Barbash, 2009

(Cinema Gilda)

Nel documentario cerchi, i film creati dai membri della Harvard Sensoriale Laboratorio di Etnografia e ‘ stata considerata una delle dieci principali e più controversa corpi di lavoro: La loro narrazione-e-informazioni-gratis discesa in una serie di insoliti ambienti fisici e socio-economici ecosistemi rappresentano una nuova fase di verite o è dilagante GoPro abuso in un film come Leviathan, è solo un altro espediente stilistico?, Mi piace la visione doomy di Leviathan di un peschereccio industriale, ma amo davvero l’esperimento precedente dei suoi registi, Sweetgrass, che documenta una guida di pecore nelle montagne del Montana.

Upstream Color

Shane Carruth, 2013

(VHX)

Nel 2004, matematica maggiore Shane Carruth ha fatto un thriller 7.000 thriller di viaggio nel tempo chiamato Primer che si è unito El Mariachi e il progetto Blair Witch nel moderno canone fai da te., Nove anni dopo, ha sfruttato il robusto ritorno sull’investimento di quel film nel bizzarro e seducente Upstream Color, un thriller fantascientifico quasi indescrivibile su-in nessun ordine particolare—rapimento, controllo mentale, parassiti, Walden, tardo capitalismo, ansia relazionale, allevamento di maiali e genitorialità., Se il mix di filosofia, body horror e Malickian slipstream di Carruth è veramente, profondamente cerebrale o un mindfuck senza impegno è difficile da sapere con certezza, eppure se una definizione di indipendenza è una mancanza di compromesso, Upstream Color si qualifica ed eccelle: nessun altro ha fatto un film come questo, e nessun altro ci proverebbe.,

Wet Hot American Summer

David Wain, 2001

(USA Films)

OK, stiamo imbrogliando un po ‘ qui: Tecnicamente, il distributore originale di WHAS, USA Films, è una filiale di Universal, e le recenti resurrezioni Netflix della commedia cult di David Wain indicano un’approvazione mainstream che è piuttosto lontana dai margini., Ma i fatti sono fatti: Wet Hot American Summer è il film più divertente degli anni 2000 ed è stato finanziato fondamentalmente dal nulla nel 2001, quando le sue più grandi stelle erano Janeane Garofalo e David Hyde Pierce e Siskel e Ebert hanno fatto di tutto per sbattere la sua presunta inettitudine amatoriale sulla televisione nazionale. Se c’è un’eredità di indipendenza qui, non ha a che fare con i soldi—OK, lo fa un po’, perché il film sembra e sembra economico come l’inferno—ma con un atteggiamento. Ogni scherzo in questo film sembra essere più per le persone che lo fanno che per un pubblico., Mi rimetto alla saggezza di The Village Voice, che ha scritto che ” questo film sarà detestato, ma potrebbe essere in anticipo sui tempi.”A dir poco.