Las 30 mejores películas (verdaderamente) independientes del siglo 21

en 2018, es más difícil que nunca ser independiente en el mundo del cine. Con Thanos Y T. rexes y superfamilias animadas por computadora descendiendo sobre nuestros multicines, el espíritu de «hágalo usted mismo» de la historia del cine está siendo desplazado, un éxito de taquilla IP a la vez. Pero todavía hay algunos intrépidos, artistas indie-mente luchando la lucha. Esta semana en The Ringer, veremos a algunos veteranos del campo y algunos nuevos participantes emocionantes, y trataremos de entender a dónde irá el cine independiente a partir de aquí.,

en su libro de 1996 Spike, Mike, Slackers and Dykes, John Pierson narra sus hazañas como el autodenominado «gurú» del cine estadounidense independiente en el período que une las incursiones fuera de la red de bajo presupuesto de la década de 1980-cuando Spike (Lee) y Mike (Moore) salieron de la nada para convertirse en nombres familiares-y los años 90, que podrían dividirse en dos períodos distintos: antes y después de Pulp Fiction. La reverente y referencial estética cinéfila de Quentin Tarantino fue más taquillera que taquillera., No es de extrañar que uno de los contemporáneos de QT, Kevin Smith, use una metáfora de la tienda de videos a mitad del libro para describir no solo el trabajo de Pierson como representante de un productor, sino también el papel de los críticos en lograr que el público vea películas con presupuestos de producción y marketing más pequeños. «Tomas algo que realmente te gusta take y se lo llevas a la gente’re eres un empleado de video muy selectivo, muy quisquilloso.,»

el paisaje descrito por Pierson ha cambiado irrevocablemente en los más de 20 años desde la publicación de su libro—notablemente, el Editor del libro, Harvey Weinstein, ha pasado de ser un jugador poderoso a persona non grata. Pero sigue siendo un documento valioso y chismoso de una época en la que era más fácil identificar la diferencia entre el mainstream y el indie. Si el» holgazán » de la saga de Pierson—ese sería Richard Linklater—hace una película como Last Flag Flying for a studio (Amazon), ¿eso inmediatamente la descalifica de consideración como indie? Probablemente., Pero ¿Qué hay de Boyhood, financiado durante sus 12 años de Génesis por una serie de compañías de producción independientes y lanzado a nivel nacional por IFC, una compañía cuyo nombre literalmente contiene la palabra «independiente»?»O qué tal una película como The Rider de Chloé Zhao, una de las más destacadas de 2018, que se hizo completamente aparte del aparato cinematográfico tradicional antes de ser adquirida en Cannes por Sony Pictures Classics, una subsidiaria del estudio que actualmente vomita veneno en todos los multicines estadounidenses., El omnipresente A24 ahora opera como una potencia de producción y distribución integrada con sistemas de entrega día y fecha y lucrativos acuerdos de transmisión con Amazon Prime. Cuando todo y todos parecen conectados de arriba hacia abajo, «independiente» se convierte en un término elástico. La taxonomía es complicada.

con esto en mente, compilar una lista de las mejores—o quizás digamos las más interesantes—películas independientes estadounidenses desde 2000 es una tarea tonta., No me importa parecer tonto (escribí un libro sobre coristas, por el amor de Dios), pero sé que había algunas reglas básicas aquí, solo un par de las cuales se rompieron. (Mira si puedes detectarlos!,) No hay películas producidas o distribuidas por los principales estudios o mini-majors, lo que llevó a la decisión de dejar fuera A24 (lo que significa que no hay Lady Bird, o The Witch, o Spring Breakers, o Hereditary, o lo que sea); no hay títulos extranjeros, ya que las estructuras de financiación en el extranjero son aún más difíciles de categorizar (lo que significa que obras maestras auténticamente baratas como Down Terrace de Ben Wheatley no calificaron); no hay películas obvias de «tarjeta de presentación» (a pesar de que algunos de estos cineastas fueron capturados por los estudios bastante rápido); y no hay necesidad de incluir ciertas películas que los lectores de Ringer probablemente ya saben y amor., (Sean Fennessey presionó por la inclusión de un cierto thriller de Nicolas Winding Refn protagonizado por Ryan Gosling cuyo título rima con «dive», pero ejercí mi único veto Canadiense-freelance, ya que esa película apesta.,)

así que tome esta lista por lo que es: una inmersión probablemente defectuosa y profundamente subjetiva a través de 18 años de producción independiente—y en todos los casos, de mentalidad independiente-filmación que abarca toda la gama en términos de género y geografía, con directores que van desde marcas pasadas o presentes (Christopher Nolan, Barry Jenkins) hasta descubrimientos a la espera de suceder (Josephine Decker, Khalik Allah). Considéralo el intento de un ex empleado de videos quisquilloso de tomar algunas cosas que realmente me gustan y compartirlas con todos ustedes. No puedo esperar a que me digan lo equivocado Que Estoy en Twitter.,

actriz

Robert Greene, 2014

(Cinema Guild)

Robert Greene está obsesionado con el rendimiento; su Fino Retrato indie-wrestling Fake It tan Real y espeluznante Kate Lyn Sheil showcase Kate Plays Christine son ambos estudios de actores y su proceso. Lo más destacado, sin embargo, es la actriz de 2014, una película cuyas extrañas circunstancias—la directora se hizo amiga de la alumna de Wire Brandy Burre, que era una vecina que vivía en Beacon, Nueva York—desmienten su seguridad como retrato y metáfora., Aparentemente, Actress trata sobre el intento de Burre de hacer una reaparición en la pantalla, pero se revela más como una película sobre las otras «actuaciones» en su vida: como esposa, como madre y como «actriz», esta última una construcción arquetípica más complicada que cualquier papel guionizado. Tanto una película de ensayo como un documental, es el tipo de película embriagadora e intelectual que resuena en tu cerebro durante días.,

lastre

Lance Hammer, 2008

(Gravitas Ventures)

han pasado 10 años desde que Batman& el diseñador digital de Robin Lance Hammer lanzó el lastre pesado y asombroso en un circuito de festivales donde fue anunciado como la llegada de un nuevo talento importante. El hecho de que no haya hecho una película desde entonces es un misterio, y una pena. Un drama crudo y gris ambientado en el delta del Mississippi sobre un DJ convertido en dueño de una tienda de conveniencia (el enorme e indeleble Michael J. Smith Sr.,) que se mete en los restos de la vida de su gemelo idéntico muerto—sublimando el dolor y la ira en responsabilidades familiares que siempre había evitado—Ballast muestra habilidades visuales y narrativas comparables a la obra de los hermanos Dardenne; sus espacios domésticos claustrofóbicos y sus líneas de horizonte abiertas hacen que la vista sea emocionante, incluso cuando su tono permanece silencioso y triste durante todo el tiempo. De todas las películas en esta lista, el debut de Hammer más merece ser mejor conocido.,

Blue Ruin

Jeremy Saulnier, 2013

(Radius)

Revenge es un plato que se sirve mejor crudo y sangriento en el thriller de Jeremy Saulnier, que trata sobre un improbable asesino autodenominado (Macon Blair) que lucha por tener en cuenta las consecuencias de su justiciero justiciero. Las comparaciones con Blood Simple tienen sentido en la medida en que Blue Ruin es una empresa igualmente regional y artesanal, y si Saulnier carece de los dones de los Coens para el diálogo brillante (¿quién no?,) demuestra casi su precoz igual en la representación del tiempo de inactividad ansioso en ballets de heridas de carne y disparos a la cabeza. (Míralo lado a lado Sin país para viejos y dime que me equivoco. Menos sangriento que Green Room pero más efectivo como una máquina de emociones, Blue Ruin merece su lugar en el canon de los thrillers bajo el radar.,

Butter on the Latch

Josephine Decker, 2013

(Cinelicious)

El zumbido alrededor de la difícil y trippy Madeline Madeline sugiere que Decker ha surgido de la escena indie de Nueva York como una de sus favoritas, pero ha estado haciendo un trabajo de sinapsis desde hace unos años. La críptica y visionaria Butter on the Latch, sobre un par de chicas de la ciudad que asisten a un campamento de música de los Balcanes en medio del desierto de California y comienzan a perder su control sobre la realidad, incorpora motivos de películas de terror en una meditación sobre la identidad que es cualquier cosa menos genérica., Muchas Indias se esfuerzan por lo extraño, pero las formas inusuales de ver, tanto en términos de colocación literal de la cámara como en la calidad más efímera de la «perspectiva», vienen a Decker naturalmente. La mantequilla en el pestillo es una pesadilla en el sentido más verdadero; sus momentos más extraños parecen haber sido filmados con los ojos bien cerrados.,

camarógrafo

Kirsten Johnson, 2016

(Janus Films)

divide el título del documental de Kirsten Johnson por la mitad y una serie de relaciones vertiginosamente complejas se revelan: entre la cámara y sus sujetos; entre la cámara y su operador; y también entre la persona detrás del objetivo y las personas frente a él., Una directora y directora de fotografía que ha trabajado con la periodista política Laura Poitras (Citizenfour) y recogido imágenes de una variedad de lugares tensos en todo el mundo (hay extractos de sus períodos de servicio en Bosnia y Afganistán) Johnson muestra una voluntad de interrogar a su propia práctica, y en el proceso ilustra por qué es una profesional tan excelente. Es el raro tipo de autoconciencia que irradia humildad en lugar de marca personal, y es esencial en un momento en que incluso el cine de no ficción progresista con demasiada frecuencia opta por la taquigrafía emocional y las tomas baratas.,

Cold Weather

Aaron Katz, 2010

(IFC)

El protagonista del semi-thriller sweetly shaggy de Aaron Katz anhela ser un detective, y termina investigando inesperadamente una misteriosa desaparición en su vecindario de Portland. Cuando comienza a fumar una pipa de Sherlock Holmes para ayudar con su proceso deductivo, es una afectación hipster que también es un acto de amoroso homenaje., De todos los directores que surgieron del llamado movimiento «Mumblecore», Katz puede ser el que tiene la facilidad visual más fácil; el clima frío tiene una paleta de colores nítida y nítida y movimientos de cámara asertivos que ayudan en lugar de abrumar sus modestas aspiraciones de género. También tiene el mejor acto hermano-hermana en el indie del siglo 21 (disculpas a la rueda de color de Alex Ross Perry), con Cris Lankenau y Trieste Kelly Dunn destilando rivalidad y afecto entre hermanos en una solidaridad sutil y sin palabras, ya sea observando ballenas o escuchando un querido mixtape Adolescente.,

Computer Chess

Andrew Bujalski, 2013

(Kino Lorber)

en verdad, hay algunas películas de Andrew Bujalski que podrían haber ido aquí: el tierno estudio de cera de abejas de hermanos gemelos; la oda tonta a los resultados de superación personal; la comedia de trabajo boyantemente sombría apoya a las chicas., La razón por la que Computer Chess obtiene mi voto es porque es tan singular: una rareza inexpresiva en blanco y negro filmada en cámaras de video alrededor de la década de 1980 sobre un grupo de machos beta-todos aficionados al ajedrez-que se registran en un hotel solitario para un torneo de fin de semana solo para convertirse en peones en algún juego más grande que involucra al Pentágono y la inteligencia artificial.,

Donnie Darko

Richard Kelly, 2001

(Flower Films)

en Sundance en enero de 2001, las vibraciones apocalípticas de la comedia absurdista-ciencia ficción-viaje en el tiempo de Richard Kelly impresionaron a los críticos; en septiembre del mismo año, una campaña publicitaria con un avión estrellándose destruyó sus posibilidades de un lanzamiento exitoso., Como todos los clásicos de culto, Donnie Darko encontró su audiencia—y aprecio-con el tiempo; casi 20 años más tarde, sus ironías de los 80 parecen más antropológicas que nostálgicas, mientras que sus temas milenarios de alienación, crisis de identidad y desesperación han demostrado ser adecuados. E incluso si el guion retorcido y las imágenes de conejitos demoníacos no se sostuvieran, la película tendría su lugar en el salón de la fama de la caída de agujas por la forma en que Kelly convierte «la Luna asesina» de Echo y los conejitos en un himno de terror reptante e innombrable.,

Field Niggas

Khalik Allah, 2015

(KhalikoVision)

On paper, Khalik Allah’s experimental documentary sounds capital-P Problematic. En una esquina de la calle en Harlem, un grupo de afroamericanos locales—muchos altos en el sustituto de marihuana sintética K2—son entrevistados (y realizar) para una cámara digital que las rocas y teje alrededor de sus caras con una mano, Estilo autoconsciente. Mientras tanto, la banda sonora ha sido manipulada para que las caras y los diálogos estén ligeramente fuera de sincronía, lo que resulta en una mezcla amorfa de identidades., Así que sí, Field Niggas es un caso de prueba para los peligros de la etnografía estetizada-y las críticas de los métodos de Allah son válidas -, pero también es una hazaña fascinante de retratos individuales y comunitarios, utilizando las observaciones de sus sujetos, argumentos, confesionarios y apartados como poesía y comentario político. Allah, quien usó la cámara de 35mm de su padre para fotografiar a los miembros de Wu-Tang Clan y se refiere a su trabajo multimedia como «Cámara Ministerio», estaba de vuelta este año con la aclamada madre negra; su predecesor no es tan fácil de ver, pero vale la pena buscar de todos modos.,

Fruitvale Station

Ryan Coogler, 2013

(TWC)

Las tres colaboraciones entre Ryan Coogler y Michael B. Jordan han dado excelentes actuaciones dentro de películas interesantes; la diferencia con Fruitvale Station es que nadie las vio venir., Hay poco del estilo musculoso y popular que Coogler cultivó en Creed y Black Panther aquí; en cambio, la estación Fruitvale basada en hechos-sobre el asesinato del residente de Oakland Oscar Grant por agentes del BART en 2009—procede observacionalmente, adoptando una estructura (del último) día en la vida para dimensionalizar completamente a un personaje cuya fama en death amenazó con eclipsar su identidad real. La sabiduría de Coogler en el estilo de la película como un escaparate no puede ser exagerada: la actuación inteligente y magnética de Jordan es algo nacido de las estrellas, y se parece más que nunca a la zona cero para una carrera importante.,

Gerry

Gus Van Sant, 2002

(ThinkFilm)

All that goodwill for Good Will Hunting can buy a genuinely independently-minded guy a lot of leeway—enough to make a draggy, plotless parable about two guys named Gerry starving to death in the desert (not to spoil the ending but they don’t get far on foot). Como un rechazo de la Convención cinematográfica, Gerry era mocoso y divertido; como una salida para los entonces atrofiados músculos formalistas de Van Sant, fue, a su manera, un ahorrador de carrera., Van Sant se remonta a la belleza lánguida de su trabajo anterior, especialmente mi propio Idaho privado, mientras se rejuvenece y avanza hacia la gloria de Cannes y Oscar.

George Washington

David Gordon Green, 2000

(Cowboy Pictures)

probablemente el indie americano fundacional de la década de 2000—tan estilísticamente y tonalmente influyente en el futuro como evidentemente influenciado por incondicionales de los años 70 como Terrence Malick y Charles Burnett—George Washington utilizó imágenes e incidentes a pequeña escala para evocar conceptos más grandes., ¿Qué mejor manera de sugerir que su película es sobre «América» (como lugar de residencia y como abstracción) que nombrarla después de un padre fundador? Esencialmente un riff de» How I Spent My Summer Vacation » inundado de lirismo delicado y ominoso, la película de David Gordon Green fue apuntalada por críticos como Roger Ebert y gradualmente canonizada; todo lo que necesitas hacer es ver cinco minutos de mediados de los 90 para ver cómo una generación aún más joven de aspirantes a autores ha absorbido su espíritu de atmósfera-lo-todo.,

Heaven Knows What

Josh y Benny Safdie, 2014

(Radius)

definitivamente es una forma de hacer una película: después de conocer a una ex adicta al crack de 20 años en las calles de la ciudad de Nueva York, Josh y Benny Safdie la alentaron a escribir unas memorias de sus experiencias, y luego la eligieron para la versión cinematográfica., La autenticidad feroz y vivida de la actuación de Arielle Holmes en la adaptación literal de su vida le da tanta propiedad de Dios sabe qué como los Safdies, cuyo avance posterior en el magnífico Good Time del año pasado debe mucho a los ritmos inquietos y nerviosos a nivel de calle de su predecesor. Dios sabe cuál es una de las experiencias de visualización más desgarradoras de la década, sin comodidad ni distancia incorporadas; es una mezcla de innovación estética, turismo artístico, explotación discutible y empatía sigilosa que vale la pena discutir como lo está viendo en primer lugar.,

the House of the Devil

Ti West, 2009

(MPI)

Los rendimientos de Ti West han ido disminuyendo desde este impresionante riff shlock de los 80, por lo que es importante recordar los buenos tiempos: el Fixx en el estéreo; poison en la pizza; Greta Gerwig en un papel secundario; y witches in the attic. (Además: Mary Woronov, lo más parecido a un sello de aprobación para el género offbeat.,) Donde la mayoría de las nuevas películas de terror optan por una combustión lenta o una sobrecarga sensorial completa, House Of The Devil mezcla estados de ánimo y modos sin perder de vista su objetivo principal, que es aterrorizar, en lugar de divertir o asquear, a una audiencia que está demasiado cansada en este momento para pensar que se puede hacer. Creer.

Inland Empire

David Lynch, 2006

(Absurda)

la conclusión de la trilogía de Los Ángeles de David Lynch no solo repudia el cine de estudio a la Mulholland Drive; adopta una forma visual y narrativa incomprensible límite para decir adiós a Hollywood para siempre., Incluso para un cineasta tan intransigente, Inland Empire es mi estilo, que se remonta-a veces, aparentemente a propósito-al espíritu de shock subterráneo de Eraserhead, cuando su creador era un mero «maníaco» (para citar a Mel Brooks) en lugar de nuestro anciano estadista surrealista. Cualquier otra cosa que puedas decir sobre esta experiencia extraordinaria de tres horas estratégicamente fea, agotadora y completa con el video musical «Locomotion», es la película de un hombre libre.,

it Felt Like Love

Eliza Hittman, 2013

(Variance Films)

Las imágenes de enfoque superficial del debut de Eliza Hittman desmienten su profundidad como una fábula de mayoría de edad. Además de ser sabio sobre el arco de su protagonista femenina adolescente desde la (no del todo) inocencia hasta la (menos que espectacular) experiencia, sentía que el amor percibe a sus personajes masculinos con una agudeza devastadora., La tesis «boys-will-be-boys» de Hittman no es entrañable, indulgente o tolerante; por el contrario, la película está llena de frustración y desesperación por el tipo de crueldad insensible infligida desde un lugar de privilegio e inseguridad básica. En otras palabras, golpea el clavo en la cabeza y, a veces, entre los ojos.

Medicine for Melancoly

Barry Jenkins, 2008

(IFC)

tiene sentido que los críticos comparen la primera incursión de Barry Jenkins como escritor-director con Before Sunrise, ya que su premisa no es más que una historia de chico conoce chica y hablan todo el día., Pero las películas anteriores de Richard Linklater nunca fueron tan inherentemente politizadas como la medicina para la melancolía, cuyos personajes—el cauteloso y militante Micah (Wyatt Cenac) y la aguda y flexible Jo (Tracey Heggins)-se convierten en encarnaciones de una dialéctica más grande y argumentativa sobre la asimilación del arte, la cultura y la identidad afroamericanas, así como el aburguesamiento en esa ciudad cinematográfica de todos los tiempos, San Francisco., Nada menos que la luz de la luna o si Beale Street pudiera hablar, la película es un tour-de-force visual, utilizando el color (y su ausencia) para codificar y contextualizar el diálogo que es a la vez poéticamente vívido y torpemente cotidiano: felizmente, la promesa de su artesanía de bajo presupuesto y la inteligencia conceptual se ha cumplido.,

Memento

Christopher Nolan, 2000

(Newmarket)

si hicieras una película al estilo Memento sobre la carrera de Christopher Nolan-es decir, la empezaste ahora y volviste a trabajar hasta el principio—entonces su avance en el 2000 sería un clímax infernal: el tipo de neo—noir perfectamente estructurado y actuado que serviría como otro logro culminante del escritor y director., Mucho antes de que mandara presupuestos iguales al PIB de un país pequeño y tuviera a Michael Caine en la marcación rápida, Nolan obtuvo un gran valor de producción de sus invaluables instintos de cómo desconcertar a una audiencia sin perderlos por completo; lo que hace memorable a Memento no es solo su cronología inversa de Harold Pinter, sino todos los pequeños detalles visuales y verbales-un tatuaje aquí, un delineador críptico allí-que se pegan firmemente en la parte posterior de nuestras mentes incluso cuando van en uno de los oídos antiheroicos de Guy Pearce y en el otro.,

una simplificación excesiva de su belleza

Terence Nance, 2012

(Variance Films)

la popularidad de Random Acts of Flyness debería presentar a los espectadores el largometraje debut de Terence Nance, tremendamente inventivo y esencialmente inclasificable, en el que el director—interpretando una versión de sí mismo—agoniza, rapsodiza, filosofa y estetiza a una mujer (Namik Minter) con la que ha decidido que está locamente enamorado incluso cuando su amistad muestra límites platónicos claramente demarcados., Hay aspectos de Woody Allen y Spike Lee aquí, pero también un fabulismo ahorrativo y de stop-motion más parecido a Michel Gondry, y sin embargo la visión de Nance es más que la suma de sus influencias: ilustra que el arte—ya sea bellamente sincero o salvajemente indisciplinado—consiste en nada menos (o más) que el coraje de tomar algo desde adentro y ponerlo en el mundo.,

Old Joy

Kelly Reichardt, 2006

(Kino International)

The weekend warriors in Kelly Reichardt’s humanely humorous road movie are not alpha-male types à la Deliverance; they don’t want to forge rapids, only remoje their early-middle-aged bones in a lonely mountain hot springs., A la vez, una sátira astuta de la filosofía de viaje-es-el-destino y una elegía profundamente sentida por erosionar los valores contraculturales, con Will Oldham como una versión más melancólica de The Dude—Old Joy restableció a su directora en la vanguardia indie 12 años después de su debut en River of Grass. Desde entonces, ha trabajado con estrellas cada vez más brillantes (Michelle Williams, Kristen Stewart), ha revisado los géneros fundacionales del cine estadounidense (Meek’s Cutoff’s reckoning with the Western) y se ha convertido en una autora de marca. Pero este sigue siendo su trabajo más conmovedor.,

Pariah

Dee Rees, 2011

(Focus Features)

La historia detrás del making of Pariah es tan Indie-textbook como se pone: un corto de tesis de la escuela de cine ampliado en un guion de largometraje y nutrido en el laboratorio de Directores de Sundance antes de un estreno del festival splashy. Pero la película de Dee Rees se mantuvo—y se destaca-aparte debido a la especificidad subcultural de su tema: como una historia queer y negra, anticipa la luz de la Luna al tiempo que incorpora aspectos de la propia autobiografía de su director, enmarcada por una fotografía sensible y exuberante de Bradford Young., Trabajando en tándem glorioso, Rees y Young estilizan las imágenes para que Alike (Adepero Oduye) pase del llamativo pero introvertido tema de la cámara a la fuente de sus elegantes composiciones de punto de vista; el posterior triunfo de Rees con Mudbound (que recibió una nominación al Oscar por su cinematografía) debería arrojar más luz sobre su debut.,

Police Beat

Robinson Devor, 2005

(Northwest Film Forum/Wigglyworld Studios)

El columnista político y cronista de hip-hop nacido en Rodesia Charles Mudede cowrote el increíble drama criminal underseen de Robinson Devor, basado en sus experiencias como periodista en «police beat.»Su héroe es un inmigrante senegalés que trabaja como policía en bicicleta y narra sus experiencias en su idioma nativo Wolof mientras lo vemos interactuar en inglés con los estadounidenses., Esta estructura destila elegantemente temas de identidad y asimilación en una película que también está presurizada por la decadencia urbana y la paranoia romántica en espiral de su protagonista: el subtítulo, «siete días de Crimen y engaño», evoca a David Fincher y Dostoievski con la misma eficiencia.

Redactado

Brian De Palma, 2007

(Magnolia)

Saludos, Brian De Palma—que bueno tenerte de vuelta!, Nada en contra del clásico estilo de Hollywood giallos que lo hizo un nombre familiar, pero la exploración de Redacted a la vez irreverente y mortalmente seria de la Guerra de Irak-puesta en escena en un estilo de canal de YouTube que solo se ve mejor y más profético en retrospectiva—fue el regreso que los fanáticos del período «American Godard» de finales de los 60 habían estado anhelando., Hecho por menos de 5 5 millones y lanzado en un rebelde zeitgeist de Irak, redactó críticos divididos, se hundió comercialmente y condujo a una feroz pelea entre bastidores entre el director y su financiero Mark Cuban-una buena señal de que de Palma estaba despierto y enojado después de caminar sonámbulo a través de una década de asignaciones de estudio.

Room 237

Rodney Ascher, 2012

(IFC)

Si tuviera un Dólar por cada vez que he leído o escuchado a alguien malinterpretar el ensayo de Rodney Ascher en video casero, legalmente contencioso y totalmente brillante sobre el resplandor, probablemente tendría 2 237., Pero eso está bien, porque de lo que se trata realmente la sala 237-más allá de si Stanley Kubrick fingió o no el alunizaje y usó una foto del suéter de child para confesarlo (spoiler: no lo hizo)—es cómo incluso las obras de arte más controladas magistralmente (por ejemplo, el resplandor) se abren de par en par a la interpretación en el momento en que llegan a una audiencia. Olvídate de la obscena recreación CGI de Steven Spielberg de The Overlook en Ready Player One: es Ascher quien realmente se mete en la locura de la obra maestra de Kubrick.,

The Rider

Chloé Zhao, 2017

(Sony Pictures Classics)

Los mitos occidentales se ponen a prueba en el drama visualmente robusto y emocionalmente delicado de Chloe Zhao, en el que un vaquero maltratado (Brady Jandreau interpretando una versión descompuesta de sí mismo) tiene que decidir el valor de volver a la silla de montar., Parte película de paisaje, parte Estudio de la comunidad, y totalmente hermosa de una manera que incorpora pero no se remite a la estética de los Westerns clásicos, la Rider recibió suficiente atención crítica que Zhao ha sido aprovechada—sorprendentemente y tal vez un poco preocupante—para llevar su talento al MCU. Sea cual sea la aventura, el éxito de esta característica única y ansiosa significa que el lugar de Zhao en la vanguardia indie contemporánea está seguro, ya sea hasta que regrese o siga adelante por completo.,

Shotgun Stories

Jeff Nichols, 2007

(Multicom)

«esto comenzó hace mucho tiempo», dice Son (Michael Shannon) de la disputa entre familias que impulsa el debut polvoriento e indeleble de Jeff Nichols; si bien es fácil intuir una metáfora (social y bíblica) en el odio que encona entre los dos conjuntos de hermanos de diferentes madres de la película, Shotgun Stories funciona porque es tan convincente en el niveles de carácter y drama., Nichols se columpió para las vallas un par de años más tarde con el psicodrama del fin del mundo como lo conocemos, tomar refugio, y si bien es una obra impresionante, su sentimiento por las contingencias duras y mezquinas de la autosuficiencia Estadounidense-de la lealtad obstinada que se transforma en ira asesina-nunca ha sido más preciso. Tampoco, diría yo, ha sido Shannon necesariamente mejor, en parte porque en 2007, sus erupciones lacónicas a volcánicas todavía se sentían espontáneas en lugar de como una firma actorly reconocible.,

Starlet

Sean Baker, 2012

(Music Box Films)

podría haber elegido Tangerine, la ganadora de Sean Baker, estilísticamente innovadora comedia con iPhone, pero-felizmente—fue adoptada tras su lanzamiento e impulsada por el éxito de su seguimiento nominado al Oscar The Florida Project. Así que en su lugar, voy a stump para Baker underseen, subestimado, acumulativamente abrumador Starlet, una historia de Los Ángeles–set de la amistad femenina entre un joven actor de cine para adultos (Dree Hemingway) y la mujer mayor (la difunta Besedka Johnson, en su único papel en el cine) que conoce en una venta de garaje., La habilidad de Baker con los actores y el uso de la ambientación como personaje—elogiado con razón en Tangerine and the Florida Project—nunca fue más segura que en la configuración alternativamente cómica y abyecta de Starlet, que maneja situaciones espeluznantes con una refrescante imparcialidad y demuestra una generosidad de espíritu que no es natural para la mayoría de los directores más geniales que tú, y que no se puede falsificar.,

Sweetgrass

Lucien Castaing-Taylor e Ilisa Barbash, 2009

(Cinema Guild)

en los círculos documentales, las películas creadas por los miembros del laboratorio de Etnografía sensorial de Harvard han sido consideradas como uno de los cuerpos de trabajo más importantes y polémicos de la década: ¿su descenso libre de narración e información a una serie de entornos físicos y ecosistemas socioeconómicos inusuales representan una nueva etapa de verite o ¿en una película como Leviathan otro truco estilístico?, Me gusta la visión doomy de Leviathan de un barco de pesca industrial, pero realmente me encanta el experimento anterior de sus directores, Sweetgrass, que documenta un paseo de ovejas en las montañas de Montana.

Upstream Color

Shane Carruth, 2013

(VHX)

en 2004, el mayor de matemáticas Shane Carruth hizo un thriller de viaje en el tiempo de 7 7,000 llamado Primer que se unió a El Mariachi y The Blair Witch Project en el canon DIY Moderno., Nueve años más tarde, utilizó el robusto retorno de la inversión de esa película en el extraño y seductor color Upstream, un thriller de ciencia ficción casi indescriptible sobre-sin ningún orden en particular—secuestro, control mental, parásitos, Walden, capitalismo tardío, ansiedad de relación, cría de cerdos y paternidad., Es difícil saber con certeza si la mezcla de Filosofía, terror corporal y edición malickiana de slipstream de Carruth es verdaderamente, profundamente cerebral o una alucinación sin compromisos, y sin embargo, si una definición de Independencia es una falta de compromiso, Upstream Color califica y sobresale: nadie más ha hecho una película como esta, y nadie más lo intentaría.,

Wet Hot American Summer

David Wain, 2001

(USA Films)

OK, estamos engañando un poco aquí: técnicamente, el Distribuidor original de WHAS, USA Films, es una subsidiaria de Universal, y las recientes resurrecciones de Netflix de la comedia de culto de David Wain indican una aprobación mainstream que está bastante lejos de los márgenes., Pero los hechos son hechos: Wet Hot American Summer es la película más divertida de la década de 2000 y fue financiada básicamente de la nada en 2001, cuando sus estrellas más grandes fueron Janeane Garofalo y David Hyde Pierce y Siskel y Ebert hicieron todo lo posible para lanzar su supuesta ineptitud amateur en la televisión nacional. Si hay un legado de independencia aquí, no tiene que ver con el dinero-vale, lo hace un poco, porque la película parece y suena tan barata como el infierno—pero con una actitud. Cada broma en esta película parece ser más para la gente que la hace que para un público., Defiendo la sabiduría de Village Voice, que escribió que » esta película será aborrecida, pero puede adelantarse a su tiempo.»Por decir lo menos.