La pittura della Nascita di Venere di Alessandro Botticelli ha pochi rivali nella storia dell’arte. Non è solo un’immagine intricata, ma larga quasi tre metri, raggiunge un livello di grandezza spaziale che la eleva a una sorta di teatro dipinto.
La scena che si svolge davanti ai nostri occhi è semplice da cogliere: Venere galleggia sul mare su una grande conchiglia di capesante, soffiata verso la riva dal soffio di due dei del vento, mentre una ninfa attende sulla terraferma per coprirla in un mantello rosa.,
Secondo uno dei primi poeti greci, Esiodo, la nascita di Venere fu il risultato dei genitali castrati di Urano gettati in mare. Venere galleggiò a terra sul guscio e infine sbarcò a Paphos a Cipro (altre tradizioni dicono che atterrò sull’isola di Citera). Il suo nome greco, Afrodite, deriva probabilmente dalla parola greca per schiuma, aphros.
Venere era una delle dodici divinità olimpiche e presiedeva all’amore e alla fertilità. Le sue raffigurazioni erano particolarmente popolari nell’antichità., La Venere qui vista deriva dal tipo “Venere Anadyomene” – che significa ” sorgere dal mare” — e mostra la sua posizione eretta, strizzando l’acqua dai suoi capelli. La forma affonda le sue radici nella scultura classica e potrebbe derivare da un’opera perduta di Apelles, un rinomato pittore dell’antica Grecia. L’esatta postura di Venere-che copre il seno con la mano destra e l’inguine con la mano sinistra — ha diversi precedenti nella scultura classica, di cui Botticelli sarebbe stato quasi certamente a conoscenza.
Venere è mostrata come nuda, posando pudicamente ma pliantly., È circondata dai ritmi intricati di drappeggi fluenti e nastri di capelli di bronzo. È un’immagine carica di forme che portano costantemente l’occhio a creare nuove connessioni.
Nel Rinascimento, si diceva che la nudità significasse purezza e innocenza. Nelle raffigurazioni di Venere, quindi, la sua nudità suggeriva una versione della dea conosciuta come la” Venere celeste”, che — paradossalmente forse — simboleggiava l’amore trovato nella contemplazione dell’eterno e del divino. In breve, un amore sacro piuttosto che un amore terreno e sessualizzato.,
Mentre arriva sulla riva, Venere sta per essere coperta da una ninfa, il cui vestito e mantello di seta sono pieni di margherite e altri fiori., Lei è probabilmente una delle Hora, che erano personificazioni delle stagioni e dee di ordine naturale; in questo caso, la primavera.
Il mantello che sta per essere sistemato sulle spalle di Venere è fluttuato dagli stessi venti che la spingono a riva. Questa animazione serve a capovolgere il mantello in una forma di rivelazione, come se fosse appena stato sollevato, come una tenda in un teatro. Sappiamo che questa rivelazione è solo momentanea: uno sguardo fugace prima che lei sia finalmente coperta.,
Nonostante queste allettanti teatralità, è probabile che Botticelli abbia composto l’opera sulla base di Venere come emblema dell’amore sacro o divino.
Prima di spiegare perché, vale la pena notare la struttura compositiva del dipinto. Dal momento che, mentre questo è un lavoro secolare, la sua struttura complessiva è tratto dalle convenzioni di raffigurare il Battesimo di Cristo — un fatto che senza dubbio aiuta a comprendere il significato del lavoro in misura più sottile.
Prendi questi due dipinti dei predecessori di Botticelli., Il primo è di Giotto dipinto intorno al 1305, e il secondo è di Piero della Francesca realizzato circa 150 anni dopo. Entrambi seguono lo stesso schema e mostrano Cristo in piedi nel fiume Giordano con Giovanni Battista a destra (come lo guardiamo), e tre angeli in attesa in presenza a sinistra.
Leave a Reply